multipistas - músicas do mundo

& The Man Cable (Alemanha, Canadá) - yodel, dub

(Portugal) - portuguese folk
As músicas do mundo prosseguem com os Gaiteiros de Lisboa, que nos trazem “Sátiro”, tema que dá nome ao seu último álbum, editado em Junho. Cada vez mais voltados para o Mediterrâneo, neste seu quarto trabalho de originais os Gaiteiros de Lisboa abarcam desde os sons de Trás-os-Montes às polifonias alentejanas, passando pelo fado. Nele são convidados Mafalda Arnauth e o violinista Manuel Rocha, da Brigada Vítor Jara. Desde 1991 que os Gaiteiros de Lisboa criam de forma inovadora música tradicional portuguesa, baseando-se nas tradições vocais, nos ritmos do tambor e na sonoridade das gaitas e flautas, que dão à sua música um ar medieval. O experimentalismo deste grupo, que utiliza ainda a sanfona, a trompa, a tarota (oboé catalão) e o clarinete, leva-o a reinventar ou criar instrumentos como os “túbaros de Orpheu” (aerofone múltiplo de palhetas simples), a “cabeçadecompressorofone” (aerofone de percussão) ou o “clarinete acabaçado” (aerofone de palheta simples). Neste trabalho juntam-se-lhes ainda os cordofones, os flautões (aerofones de arestas) e o sanfonocello (sanfona baixo). Um ambiente de festa, recheado de sons desconhecidos e de percussões populares.

"Pandero", L'Ham de Foc

(Espanha) - traditional folk
Os valencianos L’Ham de Foc (Anzol de Fogo) apresentam-nos “Pandero”, tema extraído do seu terceiro e último álbum “Cor de Porc” (Coração de Porco), editado no ano passado. Desde 1998 que os L’Ham de Foc se servem de mais de trinta instrumentos acústicos mediterrânicos – darbuka, bendir, gaitas galega e búlgara, violino, sanfona, saltério, bouzouki, alaúde e cítara são alguns deles – para criarem atmosferas intensas e mágicas. Utilizando uma orquestração tradicional, mas socorrendo-se de uma linguagem actualizada, os L’Ham de Foc entrelaçam a música medieval ocidental, do Médio Oriente ou do Mediterrâneo oriental, num universo de sons africanos, europeus e orientais, criando um conglomerado sonoro que se concentra em redor do Mediterrâneo. As percussões são a base para os textos e melodias modais tecidas pela voz de Mara Aranda, que é acompanhada por instrumentos de corda e sopro, tocados por Efrén López. Contrariando a tendência crescente da folk actual pelos ritmos electrónicos, os L’Ham de Foc confiam na simplicidade do som acústico e na pureza da música medieval. Algo que os tornou uma referência em todo o mundo no que toca à música tradicional.

"Ndima Ndapedza", Oliver 'Tuku' Mtukudzi (Zimbabué) - tuku

"Thandaza", The Soul Brothers (África do Sul) - mbaqanga, soul
Seguem-se os The Soul Brothers e o tema “Thandaza”, extraído do álbum “Amanikiniki”, lançado em 1999. Grupo que é o exemplo supremo das típicas harmonias mbaqanga, próximas do gospel, que durante três décadas dominaram a música urbana sul-africana. Na luta dos jovens africanos contra o Apartheid, a pop tradicional e o mbaqanga deram espaço à música modelada pela soul americana e mais tarde pela disco. O som dos Soul Brothers, banda que melhor encarnou o conceito da soul sul-africana, cativou sobretudo os trabalhadores que então foram obrigados a deixar o campo para procurar trabalho na cidade. Desde a sua formação, em 1974, que eles já gravaram mais de trinta álbuns. A banda foi construída com o baixista Zenzele "Zakes" Mchunu, o percusionista David Masondo e o guitarrista Tuza Mthethwa, que tocaram pela primeira vez juntos nos Groovy Boys em Kwazulu Natal, e mais tarde nos Young Brothers. Em Joanesburgo junta-se-lhes o teclista Moses Ngwenya, enquanto que David Masondo troca as percussões pela voz, surgindo então os Soul Brothers. Da formação original restam apenas Masondo e Ngwenya. Hoje são cinco cantores e três saxofones liderados por Thomas Phale, sendo os Soul Brothers a única banda jive que sobreviveu ao nascimento da disco, a antiga bubblegum que hoje se designa por música kwaito.

"Huo", Mercan Dede (Turquia) - sufi music, electronic
A jornada musical prossegue com Mercan Dede, um dos mais importantes artistas turcos, e o tema “Huo”, extraído do álbum “Nefes”, editado em Junho. Radicado em Montreal, no Canadá, Mercan Dede mistura a música tradicional com batidas electrónicas. Ele desenvolve duas carreiras paralelas: como Arkin Allen é um DJ especializado em hard techno; como Mercan Dele mistura a tradição do sufismo com estilos contemporâneos. Com o seu ensemble de músicos turcos e canadianos, fundado em 1998 e formado pelos músicos Mohammad, Farokh Shams e Ben Grossman e pela dançarina Isaiah Sala, Mercan Dede funde as tradições espirituais da música sufi com sons actuais, criando uma mistura única entre o Oriente e o Ocidente. Nas suas actuações, ele utiliza instrumentos de origem turca como a ney (flauta de cana) e a kanun (cítara), e mistura as percussões do Médio Oriente com sons electrónicos, tudo isso enquanto que um dervish dança em palco. No álbum “Nefes” (Respiração), o terceiro de uma série de quatro que começou com Nar (Fogo) e continuou com Su (Água), Mercan Dede cria uma fusão que captura a magia do Oriente, os elementos místicos, a instrumentação tradicional e os sons electrónicos.

"Ghali Ya Bouy", Smadar Levi (Israel, EUA) - bellydance
Smadar Levi traz-nos “Ghali Ya Bouy”, tema extraído do álbum “Smadar”, editado em 2004. Uma visão diferente da raqs sharki, tradução literal do termo árabe para dança do ventre, que quer dizer “dança do Oriente”. Um género que se popularizou em todo o mundo depois da sua introdução nos Estados Unidos pelas mãos do vaudeville e dos espectáculos burlescos. Filha de pais marroquinos, Smadar Levi cresceu em Israel a ouvir música egípcia e tunisina. A sua música, que combina temas originais e tradicionais, reflecte a diversidade do povo judaico, incorporando tradições israelitas, espanholas, africanas e gregas. Ela canta em hebreu, árabe, grego e ladino, a língua medieval dos judeus em Espanha. Entretanto, depois de ter tocado com músicos ciganos na Roménia, Espanha e Turquia, ela decidiu também misturar a sua música com sons ciganos. Foi em 2000, depois de se ter mudado para os Estados Unidos, que Smadar Levi conheceu o cantor e violinista marroquino Rashid Halihal, com quem formaria um trio. Quatro anos depois formava a sua própria banda, juntando músicos de Israel, Líbano, Turquia, Marrocos e Palestina. Actualmente, Smadar Levi vive em Nova Iorque, onde trabalha com músicos como Uri Sharlin, Emmanuel Mann, um dos melhores baixistas israelitas, e o português Pedro da Silva, que a acompanha com a cítara e a guitarra clássica.

"The Beat Of Love", Trilok Gurtu (Índia) - world, jazz, khylal
A jornada prossegue com Trilok Gurtu e “The Beat of Love”, tema extraído do álbum do mesmo nome, editado em 2001. Gurtu, cujo avô era um conhecido tocador de cítara e a mãe uma estrela do canto clássico, tornou-se conhecido como membro dos Oregon, uma banda de fusão world/jazz. Cinco vezes eleito o melhor percussionista do planeta pela revista “Downbeat”, título ganho pela ponte que criou entre a música do Oriente e Ocidente, Trilok Gurtu mistura ritmos indianos, executados com a tabla, com elementos do jazz, da música de dança, do rock, da música clássica e da música étnica de todo o planeta. Este ano, ele regressou à tradição indiana, apoiado pelos cantores Rajan e Sajan Misra, e apresentando o khylal, espécie de cântico hipnótico. O virtuosismo deste indiano, natural de Bombaim, transformou-o num dos grandes vultos do post-jazz, do jazz de fusão e do avant-garde. Ele tem colaborado com génios da música como Jan Garbarek, Ravi Shankar ou David Gilmour, destacando-se na comunidade jazzística por surgir ao lado de nomes como Don Cherry, John McLaughlin, Joe Zawinul ou Pat Metheny.

"Natacha", Gregori Czerkinsky (França) - french pop, rock
A fechar a emissão o francês Gregori Czerkinsky e o célebre “Natacha”, tema extraído do álbum “Czerkinsky”, editado em 1998. O cantor, nascido em Oran em 1954, foi compositor no grupo Mikado com Pascale Borel, tendo mais tarde enveredado por uma carreira a solo. Um fundamentalista do amor, até porque não é de extranhar que nos seus concertos se abalance sobre alguma rapariga do público, fazendo prova do seu dom de amante infinito e de gigoló, e transpondo para a realidade as palavras que se podem ouvir numa das suas músicas: "Para ser amado é necessário ser amável”. E as suas canções falam precisamente de amabilidade e de amor, sobre diferentes perspectivas, desde a do triunfador à do desgraçado. Um romanticismo radical e algo cínico, num ambiente sonoro que se cruza entre Jay-Jay Johanson e Serge Gainsbourg. São temas recheados de frescura e bom humor, que vão da música clássica, à pop e ao rock, e trazem muitos sonhos à mistura.

Jorge Costa

(Finlândia) - folk-rock, electronic folk
O finlandês Kimmo Pohjonen a abrir a emissão com o tema “Keko”, extraído do álbum “Kluster”, editado em 2002. Com uma carreira de vinte anos, repartida entre a folk, a música clássica e o rock, Kimmo Pohjonen mistura de forma única o acordeão com amostras de som e percussões, levando-o para universos como a dança contemporânea ou o teatro musical. Pohjonen, que nasceu na aldeia de Viiala, começou a tocar acordeão aos oito anos por influência do pai. Na Academia Sibelius, em Helsínquia, foi encorajado a absorver a folk e a misturá-la com outros estilos. Para expandir a sonoridade do fole diatónico, em 1996 Kimmo apresentou-se em palco com um acordeão cromático e com composições originais que integravam samples e loops do islandês Samuli Kosminen, com quem formou o duo Kluster. Mais tarde, a eles juntaram-se Pat Mastrelotto e Trey Jun, dando lugar ao quarteto Kluster TU. Entretanto, Pohjonen tem vindo a colaborar com músicos finlandeses como Heikki Leitinen, Maria Kalaniemi, Pinnin Pojat, Alanko Saatio ou Arto Järvellä. Os sons que este extrai do acordeão, a sua voz, misturam harmonia e ruído. Actualmente mais voltado para o formato acústico, Kimmo Pohjonen mantém no entanto como base as raízes e os cantos populares da Finlândia. Tradição e improviso estão assim unidos, numa busca de novos sons através da música experimental e electrónica.

"Feunteun Wenn", Jacques

Pellen & Celtic Procession (França) - jazz rock, celtic music
As músicas do mundo prosseguem com Jacques Pellen, um dos melhores guitarristas bretões e um talentoso músico de jazz, e o colectivo Celtic Procession. Eles trazem-nos o tema “Feunteun Wenn”, extraído do álbum “Celtic Procession Live – Les Tombées de la Nuit”. Um trabalho gravado em Rennes por doze músicos a propósito do décimo aniversário daquela big band de geometria variável, criada em 1988. Um colectivo que reúne uma dezena de músicos tradicionais bretões e de jazz com a mesma paixão de Jacques Pellen pelo improviso. Com referências tão diferentes quanto o pianista de jazz Keith Jarrett, o compositor clássico Schönberg ou o o guitarrista bretão Dan Ar Braz, eles tentam misturar o jazz com temas e instrumentações de inspiração celta bretã, adicionando-lhes mesmo o rock e sons africanos.

"Hebden Bridge", Kíla (Irlanda) - celtic music, world fusion

"Andaina Kau Sudi", Malek Ridzuan (Malásia) - asli, malaysian folk, pop
A viagem prossegue com Malek Ridzuan e o tema “Andainya Kau Sudi”, extraído do álbum “10 Best of The Best”. Veterano da actual cena musical malaia, Malek Ridzuan canta uma mistura de pop e melodias tradicionais da Malásia, tendo na década de 80 enveredado pelo asli, um conhecido género de dança. Um país asiático onde se combinam as influências das vizinhas Indonésia e Tailândia e também do Ocidente, criando uma mistura de culturas e estilos musicais. A existência de quatro grandes etnias na Malásia – malaia, árabe, indiana, chinesa e ocidental – fez igualmente com que a música local se diversificasse em géneros tradicionais e modernos, servindo estes de caminho a muita da pop e música comercial daquele país. Do ghazal (“poema de amor” em árabe) tocado nos casamentos, ao masri, ritmo do Médio Oriente, passando pelos cinco tipos de ritmo de dança: tarian melayu, asli, inang, joget e zapin. Uma mistura incrementada com a chegada a Malaca dos portugueses no início do século XVI, que para aí levaram o violino, o acordeão e a rebana (um membrafone cónico de grandes dimensões), e com a colonização britânica no final do século XIX. Por volta de 1920 aparece então a bangsawan (ópera malaia), cujos músicos começam a modernizar os estilos tradicionais de dança da Malásia.

"Purim Dnigun", Djamo (França) - gypsy music
Atrás no programa Djamo com “Purin Dnigun”, tema extraído do álbum “Chants Tziganes Métissés”. Um ensemble françês que tem como repertório principal os cantos e a música cigana mestiça. Este jovem grupo originário da região de Poitou-Charentes, localizada no centro-oeste de França, leva-nos à descoberta das músicas ciganas e magrebinas. Neste álbum, eles são acompanhados por outros embaixadores dos sons mestiços, entre eles os Dikès e os Opa Tsupa, quinteto acústico que cruza igualmente diferentes influências como o gypsy swing, o jazz, a musette, o rock, o funk, a bossa nova e a chanson française.

"Sauver", Tiken Jah Fakoly (Costa do Marfim) - afropop, mandingo, soukous, african reggae
A jornada prossegue com Tiken Jah Fakoly e o tema “Sauver”, extraído do seu sétimo álbum “Coup de Gueule”, lançado em 2004. Um disco em que Tiken Jah Fakoly segue os caminhos do reggae africano de Alpha Blondy, fazendo uma ponte com a Jamaica, e mergulhando na tradição mandingo sem no entanto deixar de permanecer ligado ao urbano. De etnia malinké, Fakoly é descendente do chefe guerreiro Fakoly Koumba Fakoly Daaba e membro de uma família de griots, tradicionalmente vistos como os depositários da tradição oral de uma família, povo ou país. Neste álbum, o porta-voz da jovem geração da Costa do Marfim, exilado entre Bamako e Paris, ataca os regimes de alguns presidentes africanos, denunciando a injustiça, a corrupção e as desigualidades que todavia subsistem no continente, bem como a hipocrisia das religiões monoteístas. Fakoly apresenta temas em francês e em dioula, a língua da sua etnia e que é falada no norte da Costa do Marfim, na Guiné, no Mali e no Burkina Faso. Um trabalho de novo realizado por Tyrone Downie, e que conta com os ritmos de Sly Dunbar e Robbie Shakespeare, que nos trazem os inconfundíveis sons do balafon, da kora e do ngoni. Outros artistas do mundo ajudam o rebelde tranquilo a alargar a sua música a outros horizontes. Entre eles estão Didier Awadi, dos Positive Black Soul e um dos fundadores do hip-hop senegalês, e os irmãos Amokrane de Zebda e Magyd Cherfi.

"African Convention", Miriam Makeba (África do Sul) - soul jazz, afro-pop
Para já segue-se a sul-africana Miriam Makeba, que nos traz o tema “African Convention”, extraído do álbum “Hits & Highlights”. Ela foi a primeira mulher negra exilada por causa do apartheid e a primeira artista a colocar a música africana no mapa internacional. Miriam, que já gravou mais de 40 discos, cresceu a ouvir Duke Ellington, Billie Holiday e Ella Fitzgerald, sendo hoje capaz de cantar em nove línguas (francês, inglês, arábico, xhosa, kikongo, maninka, fula, nyanja e shona). Exilada por ter aparecido no filme “Come Back Africa”, a imperatriz da música africana passou 31 anos longe do seu país, lutando pelos direitos civis dos negros. A sua carreira começa na década de 50 nos Cuban Brothers. Miriam torna-se conhecida como vocalista da formação de jazz Manhattan Brothers, juntando-se mais tarde ao grupo vocal feminino Skylarks. Em 1959 o realizador americano Lionel Togosin convida Miriam a apresentar um documentário sobre a África do Sul no festival de Veneza, o que enfureceria as autoridades sul-africanas. Miriam Makeba exila-se então nos Estados Unidos, criando sucessos como “Pata Pata", "The Clique Song" ou "Malaika". O seu casamento com Stokely Carmichael, o líder radical dos Panteras Negras, traz-lhe problemas com as autoridades americanas. Exila-se então na Guiné-Conacri, até que em 1990 Nelson Mandela a convence a regressar ao seu país.

"El Wejda", Mariem Hassan & Leyoad (Saara Ocidental) - haul, sahrawi music
A jornada musical prossegue com o tema “El Wedja”, extraído do álbum “Mariem Hassan com Leyoad”, editado em 2002. Mariem Hassan é uma das figuras máximas da música sarauí e símbolo da luta deste povo pela independência. Compositora, letrista e dona de uma voz excepcional, Mariem canta com uma intensidade dilacerante o amor, a fé e o sofrimento da população do Saara Ocidental, antiga colónia espanhola que em 1975 Marrocos e a Mauritânia dividiram entre si. À semelhança de dezenas de milhares de sarauís, a jovem Mariem Hassan foi então obrigada ao exílio, refugiando-se com a família durante 27 anos na parte mais inóspita do deserto do Saara, no sul da Argélia. A criação de grupos musicais foi uma forma encontrada por muitos para amenizar a vida dura dos acampamentos. Mariem Hassan, que actualmente vive em Sabadell (Barcelona), colabora há quase três décadas com diversos grupos de música sarauí, cantando na Europa, América e África. Tudo para que o mundo conheça a situação de um povo exilado e de uma artista que anseia poder regressar algum dia em liberdade a Smara, a cidade em que nasceu. Evocando os exilados e os mártires da guerra contra Marrocos, Mariem Hassan canta o haul, um blues do deserto, carregado de electricidade e hipnotismo, acompanhada pela percurssão seca do tebal (tambor grande, tocado com as mãos pelas mulheres) e pelo tidinit (um alaúde rústico de quatro cordas, gradualmente substituído pela guitarra eléctrica), e esculpido pelas guitarras eléctricas.

"Hininga", Mercan Dede (Turquia) - sufi music, electronic
Mercan Dede, um dos mais importantes artistas turcos, traz-nos o tema “Hininga”, extraído do álbum “Nefes”, editado no passado mês de Junho. Radicado em Montreal, no Canadá, Mercan Dede mistura a música tradicional com batidas electrónicas. Ele desenvolve duas carreiras paralelas: como Arkin Allen é um DJ especializado em hard techno; como Mercan Dele mistura a tradição do sufismo com estilos contemporâneos. Com o seu ensemble de músicos turcos e canadianos, fundado em 1998 e formado pelos músicos Mohammad, Farokh Shams e Ben Grossman e pela dançarina Isaiah Sala, Mercan Dede funde as tradições espirituais da música sufi com sons actuais, criando uma mistura única entre o Oriente e o Ocidente. Nas suas actuações, ele utiliza instrumentos de origem turca como a ney (flauta de cana) e a kanun (cítara), e mistura as percussões do Médio Oriente com sons electrónicos, tudo isso enquanto que um dervish dança em palco. No álbum “Nefes” (Respiração), o terceiro de uma série de quatro que começou com Nar (Fogo) e continuou com Su (Água), Mercan Dede cria uma fusão que captura a magia do Oriente, os elementos místicos, a instrumentação tradicional e os sons electrónicos.

"El Duende Orgánico", Solar Sides (Espanha) - flamenco nuevo
A fechar o programa os espanhóis Solar Sides e o tema “El Duende Orgánico”, extraído do álbum “Ibiza Chill & Deep Collection”. Formados por Tomi del Castillo e Esteban Lucci, os Solar Sides provam que em Ibiza também há lugar para o flamenco, um género que materializa a alma cigana na Andaluzia. Mas nas últimas décadas este tem vindo a regenerar-se. É que hoje é habitual fundir-se a estrutura básica do flamenco com o rock e a música electrónica, algo a que se convencionou chamar de nuevo flamenco. E é precisamente isso que os Solar Side fazem, já que mantêm uma inteligente mistura de elementos jazz e funky no seu groove electroacústico, apelando tanto aos fãs do acid jazz como aos aficionados do deep-house dance.

Jorge Costa

Vasarat (Finlândia) - chamber-rock, ethnic brass punk, kosher-kebab jazz

Pellen & Celtic Procession (França) - jazz rock, celtic music
As músicas do mundo prosseguem com Jacques Pellen, um dos melhores guitarristas bretões e um talentoso músico de jazz, e o colectivo Celtic Procession. Eles trazem-nos o tema “Breizh Positive”, extraído do álbum “Celtic Procession Live – Les Tombées de la Nuit”. Um trabalho gravado em Rennes por doze músicos a propósito do décimo aniversário daquela big band de geometria variável, criada em 1988. Um colectivo que reúne uma dezena de músicos tradicionais bretões e de jazz com a mesma paixão de Jacques Pellen pelo improviso. Com referências tão diferentes quanto o pianista de jazz Keith Jarrett, o compositor clássico Schönberg ou o o guitarrista bretão Dan Ar Braz, eles tentam misturar o jazz com temas e instrumentações de inspiração celta bretã, adicionando-lhes mesmo o rock e sons africanos. O cantor e clarinetista Erik Marchand, o

"Nangbar", Dazkarieh (Portugal) - folk rock, world fusion

Para já, seguem-se o búlgaro Ivo Papasov e a sua Wedding Band. Eles trazem-nos o tema “Fairground”, extraído do álbum do mesmo nome, editado em 2004. O rei da frenética e festiva stambolovo (a chamada música cigana de casamentos) encerrou, junto à praia, o festival de Sines. Nascido na fronteira da Bulgária com a Grécia e a Turquia, Papasov cresceu numa família cigana onde o clarinete é tocado há gerações. Em 1974 forma a Trakija Band, a qual se tornaria a melhor e mais solicitada orquestra de casamentos da região. Ao misturar a folk búlgara e dos Balcãs com elementos contemporâneos, Papasov criou um género a que se chamaria de wedding band music. Mas os problemas com a ditadura levam-no à prisão nos anos 80, o que atraiu a atenção internacional e fez crescer a sua popularidade. Considerado um dos maiores clarinetistas do mundo, Ivo Papasov é também um grande criador de jazz. Em homenagem ao seu talento, os búlgaros chamam-no de Aga (mestre). Papasov toca com a sua mulher, a cantora Maria Karafizieva, e com outros cinco músicos, que em palco surgem com instrumentos como a guitarra, o acordeão, a kaval (flauta tradicional da Bulgária) ou a gadulka (espécie de viola de arco búlgara). Uma mistura exuberante de sons e melodias com improvisações de jazz numa visão contemporânea das danças tradicionais da folk búlgara.

"Tcherno", Vaguement La Jungle (França) - klezmer, gypsy music, jazz, rock'n'roll
Atrás os franceses Vaguement La Jungle com “Tcherno”, tema extraído do seu segundo e último trabalho “Aie Aie Aie”, editado em 2003. Mesmo a propósito, eles são um grupo orientado para a animação de festivais, criando concertos cheios de energia e bom humor onde a festa e a interacção com o público são parte essencial do espectáculo. Nas suas performances, os Vaguement La Jungle misturam música e teatro de rua. Com o seu cocktail fusionista, este quarteto propõe-nos um universo sonoro selvagem e estimulante. Um caldeirão mestiço onde borbulham a música cigana, árabe e judaica, o jazz e o rock‘n’roll, e que é servido com muita improvisação, espírito cáustico e letras libertárias. Uma aventura a escutar também com os olhos, já que a sua música arrasa fronteiras e cada concerto é um verdadeiro remédio contra o marasmo. Os Vaguement La Jungle conheceram-se nas ruas de Nantes e estão juntos desde 2000. Eles fazem parte da nova vaga de artistas franceses que representam as várias comunidades estrangeiras existentes em França e que lutam por uma integração na indústria musical francófona.

"Ya Fama", Toumani Diabaté & Symmetric Orchestra (Mali) - kora music, m'balax
A jornada prossegue com Toumani Diabaté e a Symmetric Orchestra, uma das presenças mais marcantes na última edição do Festival de Músicas do Mundo de Sines. Eles trazem-nos “Ya Fama”, tema extraído do álbum “Boulevard de l’Indépendance”, editado este ano. Segundo a tradição mandinga, chama-se Diabaté ao griot do seu séquito que pela primeira vez toca kora, espécie de harpa africana em que a caixa de ressonância é uma cabaça. Hoje os Diabaté continuam no topo da aristocracia da harpa de 21 cordas e Toumani é o seu expoente máximo. Este começou a tocar kora aos cinco anos de idade e desenvolveu sozinho a sua técnica. Desde o final dos anos 80 que o mestre maliano tem procurado abrir uma nova janela para este instrumento. Foi o que aconteceu com o britânico Danny Thompson, os espanhóis Ketama, os norte-americanos Taj Mahal e Roswell Judd, que lhe permitiram explorar territórios desconhecidos que vão da folk britânica ao flamenco, blues e jazz. Toumani Diabaté tem colaborado com artistas de todo o mundo, mas foi com o conterrâneo Ali Farka Touré que gravou o disco “In the Heart of the Moon”, premiado no ano passado com um Grammy. Desde 1992 que tem o apoio da Symmetric Orchestra, formada por músicos de países do antigo império mandinga (Mali, Burkina, Guiné ou Senegal) e que une a a música tradicional com guitarras eléctricas, bateria e teclados, interpretando repertório que vai da música de kora da Gambia, passando pelo m’balax senegalês e pelos ritmos dançáveis de influência latino-americana.

"Mosquito Song", Seun Kuti & Egypt 80 (Nigéria) - afrobeat
Atrás o saxofonista nigeriano Seun Anikulapo Kuti, filho mais novo de Fela Kuti, a figura régia da afrobeat, com o tema “Mosquito Song”, gravado ao vivo este ano em Dakar, no Senegal, no “Africa Live: The Roll Back Malária Concert”. Aos 9 anos, Seun já cantava coros nos concertos de Fela, tendo vivido junto do pai os últimos da vida dele, absorvendo tudo quanto este lhe ensinava. Depois da morte de Fela em 1997, Seun Kuti foi naturalmente aceite como sucessor na liderança da Egypt 80, a última banda do pai, e começa a assumir a renovação do legado. Com uma voz cada vez mais própria, ele mantém no entanto viva a mais original encarnação da afrobeat, usando uma sólida secção de baixo e o groove incomparável das vozes e percurssões africanas. Um etno-funk circular e hipnótico, com muito jazz à mistura. Seun lidera com tremenda energia a sua banda em palco, tocando reportório do pai e as suas próprias composições. Mantendo o tom político e social nas letras, refinando-se no saxofone e enriquecendo a afrobeat com outras músicas da sua formação, como o hip-hop, Seun é o mesmo dínamo em palco. Magia semelhante viveu-se no castelo de Sines na semana passada num concerto que, para além da orquestra Egypt 80, contou ainda com o baterista Tony Allen, companheiro de Fella Kuti na invenção da afrobeat, uma combinação de ritmos africanos, funk e jazz que colocou a Nigéria no mapa musical do século XX.

"Dimokransa", Mayra Andrade (Cabo Verde) - morna, funaná, coladera, batuque
Entretanto seguimos até Cabo-Verde com “Dimokransa”, de Mayra Andrade, um dos temas incluídos no álbum “Navega”, seu disco de estreia a solo, editado este ano. Um trabalho gravado de forma expontânea, com poucos arranjos pré-definidos, mas que levou tempo a amadurecer e atravessou diferentes mares. A mais jovem diva da música cabo-verdiana nasceu em Cuba e viveu em Cabo Verde, no Senegal, em Angola e na Alemanha. No entanto, foi em França, país onde hoje reside, que Mayra encontrou os seus ouvintes mais entusiasmados, um dos quais Charles Aznavour, que no ano passado a convidou para cantar com ele um dueto. Uma colaboração que cimentou o perfume de uma voz crioula quente e com grande sentido cénico no território da língua francesa. Mayra Andrade interpreta com destreza, sentido pop e maturidade todos os estilos clássicos da música do arquipélago, da morna ao funaná, da coladera ao batuque, mas a sua abordagem é a de uma nativa da ilha de Santiago, alegre e com fortes afinidades com a música negra do Brasil.

"Toada Velha Cansada", Cordel do Fogo Encantado (Brasil) - forró, axe, rock
Os brasileiros Cordel do Fogo Encantado, uma das maiores surpresas deste ano do Festival de Músicas do Mundo de Sines, trazem-nos um tema do álbum do mesmo nome, extraído do primeiro trabalho discográfico da banda. Em 1997 um grupo fazia nascer o Cordel do Fogo Encantado. Dois anos depois, a peça teatral transforma-se num espectáculo musical. O jovem quinteto pernambucano fala então de histórias de reis e dragões, de santos e bandidos, do princípio e do fim do mundo. Um projecto que reinventa várias tradições musicais e narrativas do sertão nordestino brasileiro – dos cantadores aos emboladores, passando pelos repentistas e autores de cordéis, folhetos de histórias vendidos nas feiras, – trazendo a sua força mitológica para o século XXI. A música dos Cordel de Fogo Encantado, um dos mais premiados projectos da nova música brasileira, parte de Pernambuco para se fundir noutras latitudes, destacando-se a pujança percurssiva, com o forró e o axe em fúria constante. A essa fusão juntam-se tradições índias, o folclore e a força demolidora dos tambores de culto africano, a par do rock, das texturas do violão e do carisma do poeta e vocalista psicadélico Lira Pães, claramente influenciado pelas cantigas de escárnio e maldizer.

"Galandún", Eliseo Parra (Espanha) - folk-rock, rap, hip-hop
O programa encerra com Eliseo Parra, um dos maiores conhecedores e reinventores do folclore espanhol e outra das revelações do Festival de Músicas do Mundo de Sines. Ele traz-nos agora o tema “Galandún”, extraído do álbum “De Ayer Mañana”, editado no ano passado. Uma expressão coloquial castelhana dá o título ao mais recente disco deste músico, resumindo na perfeição a sua identidade musical. Trabalho que integra uma ampla variedade de música tradicional espanhola, acrescentando-lhe estilos modernos como o rap, o hip-pop ou o chill out. Fazendo conviver como poucos o ontem e o amanhã, Eliseo Parra é hoje um dos mais estimulantes músicos de raiz tradicional da Europa. Iniciando-se como músico de rock, de jazz e até como membro de várias orquestras de salsa, ele começou em 1983 a investigar as músicas tradicionais das “tribos hispânicas”, registando as suas recolhas em vários discos e livros. Eliseo Parra acredita que a única forma de fazer com que o folclore sobreviva é retirá-lo do ambiente fechado dos museus e levá-lo para o palco. No seu repertório, onde dominam os ritmos de dança, as velhas músicas das Espanhas tornam-se sons do presente e do futuro. É esse folclore pujante e lúdico que se ouviu no encerramento em Porto Covo do programa de concertos do Festival de Musicas do Mundo de Sines. Uma fonte inesgotável de recursos que é apenas um ponto de partida para outras viagens musicais.

Jorge Costa

afrobeat
Os Antibalas Afrobeat Orchestra inauguram a emissão desta semana com “Battle Of The Species”, tema extraído do seu trabalho de estreia “Liberation Afrobeat Volume I”, lançado em 2001. Este colectivo multiracial (eles são latinos, afro-americanos, africanos e americanos asiáticos que vivem em Nova Iorque nos bairros de Brooklyn, Manhattan e Bronx, e em Bayonne, na Nova Jérsia), formado em 1998 pelo saxofonista Martin Perna, inspirou-se no saxofonista e activista nigeriano Fela Anikulapo Kuti, fazendo renascer a herança musical do fundador da afrobeat. Um género em que os Antibalas Afrobeat Orchestra puderam enquadrar os diferentes interesses musicais e preocupações políticas de cada um dos seus membros. O som desta banda nova-iorquina, cuja formação varia entre os 14 e os 20 elementos, combina highlife, jazz, soul, funk, dub, ritmos e percussões africanas e cubanas. Eles têm tocado não só com outros criadores do legado da afrobeat, entre eles o percussionista Tony Allen ou o trompetista Babatunde Williams, mas também aberto as fronteiras a James Brown, No Doubt, Wyclef Jean ou Trey Anastasio. O cariz político das letras e as posições provocadoras dos Antibalas são outro dos aspectos da herança de Kuti. Estas incitam à insurreição e à “desfranchização” do mundo, atacando o sistema capitalista em inglês, castelhano e yoruba. Consciência social e mensagens políticas à mistura com muito ritmo e percurssão…

"Sina Mali, Sina Deni"

As músicas do mundo prosseguem com Khadja Nin e o tema “Sina Mali, Sina Deni” (Livre), extraído do álbum “Sambolera”, editado em 1996. Desde o início da sua carreira que Khadja, natural do Burundi, tem procurado criar fusões musicais capazes de cruzar fronteiras geográficas e culturais. É por isso que uma vez afirmou que a sua música não deveria ser classificada como “branca” ou “negra”, mas antes como “café com leite”. Ela mistura ritmos tradicionais africanos, afro-cubanos e brasileiros com modernas melodias pop e rock. Nas suas letras fala sobre as crianças da rua, a guerra e a sua luta contra todas as desigualdades. Aos sete anos, Khadja Nin torna-se uma das vocalistas principais do coro Bujumbura. Tal era a sua paixão pela música, que mais tarde formava o seu próprio grupo. Depois de ter ido estudar para Kinshasa, capital do Zaire, Khadja Nin casa e emigra para a Bélgica com o seu filho de dois anos. Conhece então o músico Nicolas Fiszman que, impresionado pela sua voz, a convida a escrever com ele alguns temas. Depois do primeiro trabalho, em 1996 lança o disco “Sambolera”, que a catapultou para a fama. Um álbum onde canta em swahili, kirundi (idioma oficial do Burundi) e francês. Uma destas músicas ocuparia mesmo o topo das tabelas francesas, depois de o canal de televisão TF1 ter feito dela um sucesso de verão. Entretanto, Khadja Nin actuou por várias vezes com Sting e a estrela do raï Cheb Mami. Khadja, que actualmente vive no Mónaco, mantém a esperança de um dia poder regressar ao Burundi.

"Laax", Omar Pène (Senegal) - m'balax
Ao contrário de Youssou N’Dour, cuja música é refinada e um pouco aristocrática, Omar Pène, que nos apresenta o tema "Laax", está mais enraízado na vida do dia a dia, retratando a realidade dos jovens, dos desempregados e dos camponeses senegaleses. Ao misturar as sonoridades do m'balax, os ritmos do blues, do jazz, do reggae e da salsa, Omar Pène tornou-se uma das lendas de sucesso do Senegal. O talento vocal e o afro-feeling de Omar Pène foram descobertos por Balla Diagne, músico da Kadd Orchestra, que o conheceu em Dakar, cidade onde este cresceu cantando e fazendo música com latas de óleo. Encorajado a seguir uma carreira musical, Omar Pène abandona então o futebol, a sua grande paixão. Mais tarde integra os Super Diamono, banda de que se tornaria líder. Com estes representantes da nova geração senegalesa (em wolof, Diamono significa geração), foi explorando uma variedade de estilos, do jazz aos blues e do reggae ao m’balax (som característico do Senegal, que se generalizou nos anos 80, inicialmente representado por Youssou N’Dour e Super Etoile). Neste álbum “25 Ans”, editado em 2001, Omar Pène volta-se para o mercado internacional. Gravado em Dakar e misturado em Paris, este trabalho explora temas antigos e actuais do seu repertório. A voz quente, profunda e expressiva de Omar é acompanhada pelo baixo, pela guitarra acústica e por toques de percurssão. As suas músicas reflectem a preocupação com os problemas do dia a dia, o exílio, os relacionamentos ou os assuntos económicos e sociais. Canções que incentivam os jovens senegaleses a procurarem o seu futuro em África.

"N'Kodo", Djamel Laroussi (Argélia) - rap, raï
Segue-se Djamel Laroussi com o tema “N’Kodo”, extraído do álbum “Djamel Laroussi Live”, gravado ao vivo em Colónia, na Alemanha. Um trabalho que arranca na aldeia dos três Marabouts (Marabout é um santo com um papel crucial nos países sub-sarianos e do Magrebe), solo nativo dos antecessores deste músico argelino. Autor, compositor, cantor e multi-instrumentista, o antigo guitarrista de Cheb Mami é também um exímio tocador de baixo, derbouka (instrumento de percussão magrebino), gumbri (baixo de três cordas do Saara) e t'bel (espécie de timbale marroquino). Num reencontro de instrumentos tradicionais e modernos, Djamel Laroussi apresenta uma mistura global de ritmos, harmonias e melodias. Provavelmente é por esta razão que tem sido muito requisitado para tocar lado a lado com músicos e bandas como Cheb Mami, a Orchestre National des Barbès ou o jazzman Graham Haynes. Longe dos estereótipos habituais do raï, Djamel Laroussi navega num extenso universo que vai do Egipto a Marrocos. Tendo como ponto de partida as raízes norte africanas do chaâbi e do gnawa, a sua música inspira-se nos sons ocidentais do jazz, dos blues, do reggae, da pop, do hip-hop, do funk e do rock, e nos ritmos latinos da salsa, do samba e do merengue. Uma extensa mistura da qual resultam baladas em francês, árabe e berbere, misturadas com parábolas e poemas de amor.

"L'Histoire", Cheb Tarik (Argélia) - raï hip hop, reggae
A viagem musical continua com Cheb Tarik e o tema “L’Histoire”, extraído do álbum “Metisstyle”, editado em 2001. O intérprete e compositor argelino, cujo verdadeiro nome é Mohammed Tarik, mistura o raï com influências do rap, funk, salsa e rhythm & blues. No final da década de 80, quando Cheb Tarik se mudou para Paris, o compositor Maghni propôs-lhe o desafio de rejuvenescer o raï. Em 1994, ano em que Cheb Hasni, o rei do raï sentimental, foi assassinado, Tarik presta homenagem a este último com um álbum que na Argélia venderia mais de cem mil exemplares. Graças a esse sucesso, Cheb Tarik produziu mais dois álbuns de raï tradicional, não deixando de neles integrar géneros que o marcaram na adolescência como o funk e o reggae, e de colaborar com nomes como Saïan Supa Crew, Bouba, Gipsy Kings e Tonton David. Três anos depois decide aliar o rap ao raï, transformando com CC Raïder o clássico “Reggae Night” no novo “Reggae Raï”. Depois do sucesso deste single em toda a comunidade magrebina, Tarik começa a produzir o álbum “Metisstyle”. Um projecto com que finalmente vai poder modernizar o raï, juntando-se a músicos como Khaled. Um álbum marcado por inovações como a talk box e as amostras de som, e pela diversidade de influências e de géneros musicais. A prová-lo estão as vendas, que ultrapassaram seis milhões de unidades.

"Torch Of Freedom", Matthias Vogt Trio (Alemanha) - world, contemporary jazz

A jornada prossegue com “Torch Of Freedom”, tema extraído do álbum “Changing Colours”, editado este ano pelo Matthias Vogt Trio. Precisamente o primeiro trabalho de composições próprias deste núcleo do projecto [re:jazz], formado por Matthias Vogt, pelo baixista Andreas Manns e pelo percussionista Volker Schmidt. Matthias Vogt é pianista de jazz, DJ, autor e produtor de música electrónica. Os seus três pólos musicais são a Motorcitysoul, filial electrónica do seu trabalho; o [re:jazz], ligação musical que procura pontos de contacto entre o mundo da electrónica e o jazz acústico; e o Matthias Vogt Trio, a célula principal do [re:jazz] e seu campo de experimentação musical. A música deste trio, que leva o jazz para outras direcções por explorar, é auto-contida, contemplativa e emocional. Neste trabalho, eles dão provas da sua qualidade artística, apresentando um som moderno e intimista, que se aproxima à pop e ao novo jazz electrónico.

"Guitarlandia", Rubin Steiner (França) - latin jazz, electronic
Rubin Steiner, nome dado ao projecto electrónico de Fred Landier, apresenta-nos o tema “Guitarlandia”, extraído do álbum “Wunderbar Drei”, editado em 2001. No trabalho de produção deste jovem francês sobressaem um gosto pronunciado pelo jazz e uma cultura musical desenvolvida à volta do hip-hop, trip-hop, drum’n’bass, house e break-beat. Rubin Steiner é natural de Tours, uma pequena cidade no Vale do Loire, onde até há poucos anos a música electrónica era praticamente desconhecida. Ainda que à distância de uma hora de comboio de Paris, as guitarras e o típico e entusiasmo provincial quase punk da cidade luz entusiasmaram o jovem músico. Landier tocou em várias bandas locais, a última delas de nome Merz, tornando-se conhecido por algum tempo na região. Mas as coisas mudaram de figura quando todos os membros do grupo decidiram comprar computadores e começar a compor sozinhos. Depois de em 1999 ter lançado “Lo-Fi Nu Jazz Vol.2”, álbum divertido e indisciplinado que avança pelos caminhos do jazz electrónico, Rubin Steiner edita então “Wunderbar Drei”, um trabalho já profissional que irá agradar e confundir ainda mais o público. No entanto, a música de Rubin Steiner permanece enérgica e caótica como sempre. São atmosferas distorcidas, influências desproporcionais e toques humorísticos que não o levam a mudar de direcção e a deixar de ter um som inovador e iconoclasta.

"Soy Callejero", Los Mocosos (EUA) - latin rock, pop, ska, salsa
Segue-se o tema “Soy Callejero”, dos Los Mocosos (traduzindo à letra, “Os Ranhosos” é um termo algo desconcertante, mas eles precisavam de um nome absurdo e espontâneo que designasse a banda). Esta banda de rock de bairro, nascida no distrito missionário de São Francisco, segue a tradição de músicos como Santana ou Malo em cruzar fronteiras culturais. Um híbrido musical da costa oeste americana que mistura soul e pop latina com ska, salsa, funk, swing, reggae e rock, acrescentando-lhe letras que falam da vida diária do seu bairro. “Shades of Brown”, o seu álbum de estreia, editado em 1998, combina elementos latinos, criando um género único. Uma mistura de influências num album eclético e poderoso que reflecte a realidade multicultural e multiracial de um país que Los Mocosos já percorreram por diversas vezes com Santana e Los Lobos, trazendo ao de cima as culturas hispânica e americana. No entanto, Los Mocosos não tiveram de criar esta selvagem mistura de culturas, até porque o crescente interesse pela world music tem vindo a mudar a paisagem musical americana, povoando-a de estilos latinos como o reggae e a dub jamaicana ou o son afro-cubano.

Los Lobos, um dos mais representativos e originais grupos dos anos 80, trazem-nos o tema “Flor de Huevo”, extraído do álbum “Del Este de Los Angeles (Just Another Band From East LA)”. Uma fusão de rock, blues, country, folk e rhythm & blues com música tradicional do México e da América Latina. Desde o seu modesto arranque nos bairos pobres na zona este de Los Angeles aos grandes palcos internacionais, Los Lobos têm destilado as suas vidas em canções. Em 1978, altura em que ganhavam a vida a tocar em casamentos e restaurantes mexicanos, decidiram gravar um álbum com as suas canções tex-mex, dando-lhes um cheirinho a rock & roll. O album “Del Este de Los Angeles” estabeleceu a identidade própria do grupo e serviu de rampa para que David Hidalgo e Louie Perez começassem a escrever os seus próprios temas. Sem se desviarem das tradições musicais do grupo, Los Lobos extraem as suas influências de múltiplos géneros, transformando-as num som que se foi refinando e expandindo em cada novo disco.

"Getting Happy", Ralph Robles (EUA) - latin soul, boogaloo
O programa encerra com o tema “Getting Happy” do trompetista Ralph Robles, extraído do álbum “Taking Over/Conquistando”, editado em 1999. Quando o boogaloo, uma dança latina com sabor a Nova Iorque, apareceu na década de 60 nos bairros de Harlem, Brooklyn e Bronx, Tito Puente, o rei do mambo, achou que era apenas uma coisa de miúdos. No entanto, este ritmo irresistível, de uma estética próxima do punk, com muito espaço para grandes solos instrumentais e arranjos quase matemáticos, era imparável. Em pouco tempo, o boogaloo distanciou-se do mambo e do cha cha cha, misturando a salsa cubana e outros ritmos latinos com a soul, o funky, o rock, a motown e o rhythm & blues. Influências musicais que marcaram os jovens cubanos e porto-riquenhos que então viviam em Nova Iorque. Uma geração que queria cantar em inglês, mas que acabou por o fazer em “espanholês”. São percussões cubanas, baseadas nas congas, bongos e timbales, e arranjos com trompetes e trombones, à companhia do piano, do saxofone barítono e dos coros. Apesar da euforia, o boogaloo foi um dos géneros latinos com uma vida mais curta, isto porque no espaço de uma década acabou por ser assimilado pela salsa.

Jorge Costa

celtic folk, folk-pop
A espontaneidade, frescura e energia de Cristina Pato está bem patente no tema “Muiñeiras”, original de Raquel Rodriguez, violinista dos Muntenrohi, banda que a diva da gaita-de-foles galega integrou na adolescência. Natural de Ourense, a jovem Cristina Pato tem tocado a solo e com grupos como os The Chieftains, Hevia, Vargas Blues Band ou as orquestras sinfónicas da Galiza e de Tenerife. Colaboraram também com ela, entre outros, José Peixoto, guitarrista dos Madredeus, e a portuguesa Marta Dias. Para além de gaiteira, Cristina Pato é pianista e compositora, aliando a perfeição técnica da música clássica com a espontaneidade da música popular. Uma carreira que começou aos quatro anos, altura em que quis seguir o exemplo da irmã mais velha, que já tocava gaita-de-foles. Foi na Real Banda de Gaitas de Ourense que esta ofereceu os seus primeiros recitais. Ao acabar o curso de piano em Barcelona, cumpriu a promessa feita à mãe de pintar o cabelo de verde, hoje sua imagem de marca. Cristina Pato, cujo sonho é ser directora de orquestra, foi a primeira gaiteira espanhola a editar um álbum a solo. Em 1999, com apenas 17 anos, lança “Tolemia” (palavra que em galego significa loucura), disco que vendeu quase 50 mil cópias e foi uma autêntica loucura, já que juntou 28 músicos e foi gravado em apenas 10 dias. São sons tradicionais à mistura com ritmos latinos e africanos, funky, pop, reggae ou blues, numa folk mestiça e divertida. Um trabalho em que colaboraram Carlos Castro, dos Fía Na Roca; Paco Juncal, ex-violinista dos Berrogüeto, os Blanco e os Beladona. Como quem toca guitarra eléctrica, Cristina Pato procura demonstrar de forma enérgica que a gaita-de-foles é um instrumento tradicional que extravasa as fronteiras da música celta.

"Raincheck"

As músicas do mundo prosseguem com Kathryn Tickell e o tema “Raincheck”, alusivo à tournée que esta tocadora de violino e de gaita-de-foles da Nortúmbria realizou na Turquia. Uma música extraída do seu sexto álbum “The Gathering”, editado em 1997. Juntamente com Ian Carr e Neil Harland, Kathryn mistura as suas composições com as melodias tradicionais daquele condado do nordeste de Inglaterra, criando uma folk ágil, profunda e ritmicamente complexa. Kathryn Tickell, que tem tocado em todo o mundo e gravado com nomes como os The Chieftains, Boys Of The Lough, Penguin Café Orchestra e Sting, conquistou os fãs de música celta experimental e de fusão, mantendo no entanto a veia tradicional. Ela começou a tocar gaita aos nove anos, inspirada pelo pai e por músicos como Willie Taylor, Will Atkinson, Joe Hutton, Richard Moscrop e Tom Hunter. Aos 16 anos lançava o seu primeiro álbum. Em 1990 forma a Kathryn Tickell Band, ano em que cria o Fundo dos Jovens Músicos para ajudar os jovens da região a desenvolverem o seu potencial musical. Entretanto, tem colaborado com os saxofonistas Andy Sheppard e John Surman, e desenvolvido programas para a rádio com jovens músicos da Grã-Bretanha. Em 2000 criava o Ensemble Mystical, projecto que reune músicos provenientes do mundo da música clássica, do jazz e da folk.

"Texiendo Suaños", Tejedor (Espanha) - asturian folk, celtic music
Os Tejedor trazem-nos o tema "Texiendo Suaños", extraído do álbum “Texedores de Suaños”. Este grupo asturiano, nascido em Avilés e formado pelos irmãos José Manuel, Javier e Eva Tejedor, é um dos grandes embaixadores da nova folk asturiana. Um potencial criativo e interpretativo comandado por José Manuel Tejedor, considerado o melhor gaiteiro asturiano da segunda metade do século XX. Nas melodias dos Tejedor reconhece-se a paixão destes professores pelo cancioneiro tradicional asturiano, que o ligam à influência celta, criando um som fresco, acústico e festivo. Considerado o melhor disco de folk em 1999, “Texedores de Suaños” reúne composições próprias e temas tradicionais das Astúrias, misturando as gaitas asturianas com a percussão, as flautas, o acordeão diatónico e o bodhrán. Mais tarde, os Tejedor adicionaram ao seu repertório novos elementos musicais que vão dos arranjos de cordas às programações electrónicas, tendo readaptado alguns temas tradicionais asturianos. O disco de estreia, produzido pela "vaca sagrada" da folk internacional Phil Cunningham (que participa também com o acordeão em algumas faixas), reuniu músicos privilegiados como Duncan Chishom (Wolfstone), Michael McGoldrick (Lúnasa, Capercaillie), James McKintosh (Shooglenifty, Afro Celt Sound System), Kepa Junkera e Chus Pedro (Nuberu).

"Malaisha", Miriam Makeba (África do Sul) - soul jazz, afro-pop
Para já segue-se a sul-africana Miriam Makeba, que nos traz o tema “Malaisha”, extraído do álbum “Hits & Highlights”. Ela foi a primeira mulher negra exilada por causa do apartheid e a primeira artista a colocar a música africana no mapa internacional. Miriam, que já gravou mais de 40 discos, cresceu a ouvir Duke Ellington, Billie Holiday e Ella Fitzgerald, sendo hoje capaz de cantar em nove línguas (francês, inglês, arábico, xhosa, kikongo, maninka, fula, nyanja e shona). Exilada por ter aparecido no filme “Come Back Africa”, a imperatriz da música africana passou 31 anos longe do seu país, lutando pelos direitos civis dos negros.

A viagem musical continua com Tiken Jah Fakoly e o tema “Plus Rien Me M’Etonne” (Já nada me mete surpreende), extraído do seu sétimo álbum “Coup de Gueule”, lançado em 2004. Um disco em que Tiken Jah Fakoly segue os caminhos do reggae africano de Alpha Blondy, fazendo uma ponte com a Jamaica, e mergulhando na tradição mandingo sem no entanto deixar de permanecer ligado ao urbano. De etnia malinké, Fakoly é descendente do chefe guerreiro Fakoly Koumba Fakoly Daaba e membro de uma família de griots, tradicionalmente vistos como os depositários da tradição oral de uma família, povo ou país. Neste álbum, o porta-voz da jovem geração da Costa do Marfim, exilado entre Bamako e Paris, ataca os regimes de alguns presidentes africanos, denunciando a injustiça, a corrupção e as desigualidades que todavia subsistem no continente, bem como a hipocrisia das religiões monoteístas. Fakoly apresenta temas em francês e em dioula, a língua da sua etnia e que é falada no norte da Costa do Marfim, na Guiné, no Mali e no Burkina Faso. Um trabalho de novo realizado por Tyrone Downie, e que conta com os ritmos de Sly Dunbar e Robbie Shakespeare, que nos trazem os inconfundíveis sons do balafon, da kora e do ngoni. Outros artistas do mundo ajudam o rebelde tranquilo a alargar a sua música a outros horizontes. Entre eles estão Didier Awadi, dos Positive Black Soul e um dos fundadores do hip-hop senegalês, e os irmãos Amokrane de Zebda e Magyd Cherfi.

"Yasar Geidu", Mariam Hassan & Leyoad (Saara Ocidental) - haul, sahrawi music

A jornada prossegue com o tema “Yasar Geidu”, extraído do álbum “Mariem Hassan com Leyoad”, editado em 2002. Mariem Hassan, que a 29 de Julho vai estar no Festival de Músicas do Mundo de Sines, é uma das figuras máximas da música sarauí e símbolo da luta deste povo pela independência. Compositora, letrista e dona de uma voz excepcional, Mariem canta com uma intensidade dilacerante o amor, a fé e o sofrimento da população do Saara Ocidental, antiga colónia espanhola que em 1975 Marrocos e a Mauritânia dividiram entre si. À semelhança de dezenas de milhares de sarauís, a jovem Mariem Hassan foi então obrigada ao exílio, refugiando-se com a família durante 27 anos na parte mais inóspita do deserto do Saara, no sul da Argélia. A criação de grupos musicais foi uma forma encontrada por muitos para amenizar a vida dura dos acampamentos. Mariem Hassan, que actualmente vive em Sabadell (Barcelona), colabora há quase três décadas com diversos grupos de música sarauí, cantando na Europa, América e África. Tudo para que o mundo conheça a situação de um povo exilado e de uma artista que anseia poder regressar algum dia em liberdade a Smara, a cidade em que nasceu. Evocando os exilados e os mártires da guerra contra Marrocos, Mariem Hassan canta o haul, um blues do deserto, carregado de electricidade e hipnotismo, acompanhada pela percurssão seca do tebal (tambor grande, tocado com as mãos pelas mulheres) e pelo tidinit (um alaúde rústico de quatro cordas, gradualmente substituído pela guitarra eléctrica), e esculpido pelas guitarras eléctricas.

"Ya Raya [Sonar Remix]", Dahmane El Harrachi (Argélia) - raï, chaâbi
“Ya Raya” (O Exilado), um dos clássicos da música árabe, apresenta-se-nos agora num remix electrónico que os Sonar fizeram do tema do argelino Dahamane El Harrachi, uma melodia cuja letra invoca a alienação sentida na pele pelos emigrantes. Abderahmane Amrani, tragicamente desaparecido em 1980 num acidente de viação, adoptou o nome artístico de Dahamane El Harrachi. Fê-lo não só para homenagear o bairro de El Harrach onde cresceu, mas também para não incomodar os princípios religiosos do pai, que era muezin na grande mesquita de Alger. Foi nestes bairros populosos que El Harrachi desenvolveu o seu sentido de observação e descobriu que queria cantar um chaâbi diferente do de El Anka ou Hadji M’rizek, ajustando-se a sua voz na perfeição a esse anseio. Em jovem trabalha com os mestres El Hadj Menouar e Khlifa Belkacem. Em 1949 parte para França, estabelecendo-se mais tarde em Paris. É nos cafés da emigração argelina que desenvolve a sua carreira de autor e intérprete. A sua música ganha maior notoriedade quando passa a compor temas mais sarcásticos, dissecando os males da sociedade utilizando para isso os ditados populares da época. Uma carreira que atinge o ponto máximo quando Rachid Taha pega no tema “Ya Errayeh Ouine M’Safer ?” (Para onde partes, para onde viajas tu?). Um clássico do raï, o género musical mais popular nas ruas da Argélia, com percussão bem vincada, e que foi redescoberto anos mais tarde por Rachid Taha, músico que o apresentou a uma audiência internacional.

"Venus Nabalera", Mau Mau (Itália) - folk-rock, latin rock
Seguem-se os italianos Mau Mau com o tema “Venus Nabalera”, extraído do álbum “Safari Beach”, editado em 2000. O nome desta banda de rock e folk, formada em Turim em 1991, baseia-se no grupo de libertação do Quénia da colonização inglesa. Esta tribo de seis elementos, cuja música expressa uma paixão pelos sons acústicos e secos, foi pioneira na mestiçagem da música italiana, combinando uma variedade de estilos para assim gerar uma linguagem feita de atmosferas do norte e do sul do Mediterrâneo. Com a percussão e o ritmo sempre presentes, as canções dos Mau Mau falam sobre a emigração, a pobreza, a fome, os subúrbios, as expectativas, o divertimento e mesmo de computadores. Para além do italiano e do dialecto piemontês, eles cantam em castelhano, inglês e francês. Entretanto, receberam vários prémios como o de Revelação Interncional no BAM Festival em Barcelona. Neste seu quinto trabalho, o ensemble da região de Piemonte conta com a colaboração de Sargento García, mas no currículo trazem outros músicos como Inti Illimani, Ivano Fossati e Manu Chao.

"Vänner Och Fränder", Garmarna (Suécia) - folk-rock
Os suecos Garmarna trazem-nos um tema extraído do álbum “Live”, editado em 2002. Esta banda de rock, formada em 1990, canta velhas lendas da música tradicional do seu país, falando de bruxas más, madrastas tenebrosas e de princesas indefesas. Convém explicar que na mitologia sueca os Garmarna eram os cães que guardavam a porta do inferno. Uma imagem metafórica que se transpõe facilmente para os cenários sonoros criados por este quinteto, que oscila entre as estéticas anglo-saxónicas e os ambientes da música tradicional sueca. No entanto, os Garmarna não fazem questão de perpetuar tradições. O que eles querem é tocar com a vontade do momento, com tudo o que isso tenha de eterno ou de efémero. Um som único, influenciado pelo rock, e que remistura a instrumentação antiga com amostras de batidas, harpas, violinos e guitarras distorcidas.

"Jackie ", Bossa Nostra (Itália) - latin lounge, bossa nova
Os italianos Bossa Nostra (grupo formado por Adriano Molinari, Luca Savazzi, Luigi Storchi, Mássimo Mussini e Stefano Carrara) fecham o programa com o tema “Jackie”, uma das várias versões, a maioria delas dançáveis, incluídas no álbum “Chico Desperado/Jackie”, editado em 1999. No total são cinco temas antigos e quatro remixes novos elaborados pelos Pasta Boys, Atjazz, East West Connection, Street Vibes e Pedro Van Der Volt, a maioria entre o deep house e o acid jazz. O universo sonoro dos Bossa Nostra, como o nome indica, é altamente influenciado pela música brasileira, baseando-se em instrumentos acustico-elétricos tocados com muita criatividade.

Jorge Costa

(Canadá) - celtic music
A canadiana Claire Pelletier abre o programa desta semana com o tema "Galileo", gravado ao vivo em Outubro de 2002 no teatro Saint-Denis, em Montreal, no Canadá. Desde muito pequena que a rapariga da voz azul-marinho, baptizada de Claire La Sirène (a sereia) se deixou fascinar pelos contos, lendas e canções tradicionais do Quebeque, província onde 80 por cento da população é de descendência francesa. Aos 24 anos, a jovem trocava o curso de oceanografia pela música, surgindo inicialmente ao lado do grupo Tracadièche. Depois de ter dado a conhecer “Galileo” no Quebeque e na Europa francófona, neste álbum Claire Pelletier, o músico e seu marido Pierre Duchesne e o compositor Marc Caboz misturam as músicas dos álbuns “Murmures d'Histoire” (1996) e “Galileo” (2000), ligando a inspiração medieval, a alma céltica, as melodias tradicionais e as lendas da antiguidade. Um espectáculo em que o duo harmónico combina o piano, o violino, a viola e o contrabaixo com sons électrónicos. Como a vela de um barco, a voz envolvente e suave de Claire Pelletier (ou melhor, de Claire La Sirène) iça-se, estica-se e apoia-se sobre o vento.

"Granny: Granny In The Attic/Blue Ball/The False Proof"

A jornada musical prossegue com os Flook, quarteto anglo-irlandês de Manchester, conhecido pela sua espontaneidade e energia em palco, e que este ano conquistou o prémio de Melhor Grupo nos BBC Folk Awards.

, tendo convidado os músicos Rory McLeod, Martin Cradick, Seckou Keita e Colin Farrell. Eles trazem-nos uma sequência de três temas, cada qual com a sua história: “Granny in the Attic” foi escrito por Sarah quando os seus vizinhos de baixo decidiram remodelar o apartamento. Já “Blue Ball” é o nome da velha casa de campo em que viviam os seus avós e onde Sarah passou muitos verões na sua infância. Finalmente, “The False Proof” é um jig do flautista belga Jowan Merckx, que os Flook conheceram na Holanda.

"Medraína", Xéliba (Espanha) - asturian folk, celtic music
Os Xéliba, pioneiros da folk asturiana, trazem-nos “Medraína”, um tema extraído do álbum “Ferruñu”, editado em 1998. Eles levam-nos pelos caminhos da folk acústica com reminescências celtas e arranjos influenciados por bandas escocesas. Xéliba é um anagrama de Avilés, cidade a que pertenciam os primeiros elementos deste grupo de cinco rapazes. Foi em 1993 que músicos de várias bandas se juntaram com o objectivo de preservar a herança cultural asturiana. Grande parte das melodias e canções dos Xéliba são versões de temas tradicionais, que o grupo adapta ao estilo musical daquela comunidade autónoma espanhola. A banda, entretanto extinta, faz-se acompanhar de instrumentos acústicos e tradicionais como a gaita-de-foles asturiana, o acordeão diatónico, a flauta ou o violino, seguindo uma linha de folk acústico baseada na força rítmica do bouzouki e da guitarra acústica, instrumentos habitualmente presentes na folk de todo o globo.

"Jánoska", Transsylvanians (Alemanha) - folk-rock, hungarian speed folk
Para já viajamos até ao universo sonoro dos Transsylvanians, com o tema “Jánoska”, extraído do álbum “Igen!”, editado em 2004. Uma banda sedeada em Berlim, na Alemanha, mas que toca música húngara. Algo estranho num grupo maioritariamente formado por músicos russos e alemães (são eles Szilvana, András Tiborcz, Isabel Nagy, Thomas Leisner, Andreas Hirche e Hendrik Maaß). Em alusão ao país imaginário que é a Transilvânia, a banda escolheu este nome por ele reflectir uma música feita por gente de diferentes países e vivências culturais. Ao criarem a sua própria tradição, os Transsylvanians misturam a enérgica folk de dança húngara com o punk-rock, o techno, o rap, a pop, o ska, o chill out e a música cigana, produzindo um som que se apresenta como novo modelo do speed-folk húngaro. Aos temas que falam do do seu país, do amor, da inveja, da guerra e da paz, juntam-se-lhes a guitarra, o violino e uma explosão de percussões que convidam à dança e fazem com que os concertos dos Transsylvanians sejam um sucesso em toda a Europa. Tradicional ou não, apenas fica a certeza de que se trata de música húngara, ou melhor, de música da Transilvânia.

"Pena", Šaban Bajramović (Sérvia) - gypsy music
A viagem musical continua com uma passagem pela Sérvia através do tema “Pena”, estraído do álbum “Šaban Bajramović – A Gypsy Legend”, lançado em 2001. Šaban Bajramović é um dos expoentes máximos da cultura romani e da música cigana em todo o mundo. Natural de Nis, na antiga Jugoslávia, aos 19 anos ele foge do exército e é preso na ilha Goli Otok, situada no mar Adriático. Naquela que seria a sua universidade, Bajramović torna-se guarda-redes na equipa de futebol, passando a ser chamado de "Pantera Negra" devido à sua agilidade e velocidade. Junta-se então à orquestra da prisão, onde toca sobretudo jazz de Armstrong, Sinatra e John Coltrane e peças espanholas e mexicanas. De regresso à liberdade, Bajramović inaugura uma intensa carreira musical. Em 1964 grava o primeiro disco, tendo desde então lançado cerca de 20 LP’s e 50 singles e feito mais de 650 composições. Com a sua primeira fortuna comprou um Mercedes e contratou dois guarda-costas, mas depressa o vício do jogo lhe levou toda a riqueza. Durante 20 anos teve o seu próprio grupo, os “Black Mamba”, entretanto foram convidados por Indira Ghandi para irem até à Índia, onde Bajramović seria proclamado rei absoluto da música cigana. Uma espécie de mistura entre Tito e Elvis, mas com sapatos toscos e uma garrafa no bolso. Com o passar dos anos, Šaban Bajramović muda de estilo, de grupo e de mulher, perdendo parte do glamour, mas a sua voz permanece inalterada. Ele participou em filmes de Paskaljevic e Kusturica e colaborou com músicos inspirados por ele como o famoso Goran Bregovic, que adaptou o génio de Saban aos gostos do mercado.

"Shiva's Daughter", Arling & Cameron (Holanda) - pop, drum'n'bass, bossa nova
A jornada prossegue com os holandeses Arling & Cameron e o tema “Shiva’s Daughters”, extraído do álbum “Music For Imaginary Films”, editado em 2000. Depois de anos de obscuridade a desenvolverem temas para as pistas de dança, as músicas destes jovens de Amsterdão, tão ecléticos que nem chegam a ser uma banda, entraram finalmente nos ouvidos do mundo. O DJ Richard Cameron e o músico Gerry Arling fundem então passado e presente numa visão do futuro em harmonia com o ambiente clubpop que emergiu em Tóquio na década de 90. O seu arranque como duo acontece em 1997, num álbum em que absorviam mais géneros e ritmos. Entre outros, chegam a colaborar com o músico brasileiro Bebel Gilberto ou os japoneses Pizzicato Five e Cornelius. O momento alto das suas carreiras surge quando Cameron grava com os Fantastic Plastic Machine uma música para o filme “Austin Powers, The Spy Who Shagged Me”. Um potencial melódico que seria aproveitado por Hollywood e pelos publicitários de todo o mundo, acabando por ser utilizado em filmes como 'Gun Shy' (com Sandra Bullock e Liam Neeson) ou em séries de televisão como “Popular” (Warner Channel) e “Sopranos” (HBO). No seu álbum conceptual “Music for Imaginary Films”, recheado de pop, drum'n'bass, bossa nova, funk e lounge exótica, Arling & Cameron procuram reinventar as tradicionais bandas sonoras, associando cada música a um filme imaginário de um género específico – neste caso o universo de Bollywood –, levando a cabo uma aventura musical séria e com humor. Um projecto que lhes permitiu ganhar o prémio holandês “Big Pop” e serem convidados pelo canal americano SciFi para participarem no documentário “Sciography”.

"Limbe", S-Tone Inc. (Itália) - bossa nova, soul, latin jazz
Os S-Tone Inc apresentam-nos o tema “Limbe”, extraído do álbum “Sobrenatural”. Este projecto musical, criado em 1992 pelo milanês Stefano Tirone, foi um dos pioneiros no universo do acid jazz. As primeiras experiências musicais deste músico italiano, que para trás deixou a arquitectura e o design interior, remontam à new wave da década de 80 com grupos como “State of the Art” ou “Modo”. As suas referências vão da soul de Isaac Hayes ao jazz de Miles Davis. Stefano Tirone, que está presente em compilações lançadas pelo magazine Rockerilla, começou a produzir música nos anos 90, alternando entre o smooth house e o acid jazz. Uma actividade que lhe permitiu colaborar com muitos DJ’s italianos e ingleses, realizando trabalhos que antecipariam o uso de amostras de som de discos dos anos 70 na house music. Neste seu terceiro álbum, editado em 2002, os S-Tone Inc. refinam o seu estilo feito de melodias e harmonias com um sabor francês e ritmos enraizados no Brasil. Uma atmosfera boémia capturada entre Paris e o Rio de Janeiro e carregada de guitarras, flautas e acordeão, que nos leva pelos caminhos da bossa nova, da soul, do jazz latino, do smooth house ou do electro funk. Este disco contou ainda com a participação de Marion Marioni, cujo saxofone soprano nos leva de volta aos anos 70, e com a voz de Laura Fedele.

"El Carretero", Barrio Cubano de Ronald Rubinel (Cuba, França) - salsa, fusion rap, hip-pop salsa
Continuamos estrada fora com a melhor música do mundo, desta feita ao ritmo da música popular cubana. Barrio Cubano é um apanhado dos grandes clássicos da música daquele país, regravados pelos melhores rappers cubanos e remixados por Ronald Rubinel, um produtor parisiense cuja obcessão mais recente consiste em misturar a salsa latina e a folk franco-caribenha com os sons da pop, do hip-hop e do rap. No tema "El Carretero" (o condutor de carroças) são também visíveis elementos da guitarra classica utilizada na guajira, um estilo acústico cubano que surgiu no início do século XX.

"O Beta O Siba", Richard Bona (Camarões) - afropop
Richard Bona fecha o programa com o tema “O Beta O Siba”, extraído do álbum “Tiki”, editado em 2005. O multi-instrumentista e compositor, nascido nos Camarões, cedo despertou para a música. Como na sua vila natal não havia uma loja de instrumentos, este teve de utilizar cabos de travões de bicicleta para fazer as cordas da sua primeira guitarra artesanal. Mais tarde, na década de 80, Richard Bona despertava para o mundo do jazz e começava a tocar baixo. Vai então para Paris, onde aperfeiçoa as suas capacidades de escrever e tocar música, até que em 1995 tenta a sua sorte em Nova Iorque. Este contador de histórias mistura as suas raízes musicais africanas com a sensibilidade do jazz, os ritmos afro-cubanos e a pop anglo-saxónica. Um aglomerado de influências que Richard Bona combina neste trabalho com uma voz suave e expressiva, de onde escapa doçura e nostalgia.

Jorge Costa

Salif Keita abre o programa desta semana com o tema “Here”, uma versão remisturada pelo francês Frédéric Galliano, extraída do álbum “Remixes From Moffou”. Exímio guitarrista, Salif Keita começou a sua carreira nos anos 60 na Rail Band e nos Ambassadeurs. Com a sua aproximação ao rock, ao jazz e à soul, o músico do Mali inaugurava o conceito de afropop. Em 2002 lança o álbum “Moffou” e inicia uma nova carreira, antecipando o renascimento da música tradicional mandingo e dos seus principais instrumentos, como a ngoni (espécie de guitarra mourisca), o balafon (xilofone ancestral) ou o calabash (instrumento de percussão). Mais tarde, neste “Remixes From Moffou”, DJ’s e produtores como Gekko, Ark, Cabanne, Tim Paris, The Boldz, Luciano, La Funk Mob, Charles Webster, Doctor L, Cyril K e Paul St Hilaire adaptam a música de Salif Keita aos cânones da electrónica, acrescentando-lhes novos instrumentos e atmosferas sonoras influenciadas pelo funk, house, dub e drum’n bass. Foi precisamente isso o que o francês Frédéric Galliano fez neste tema. Pioneiro na mistura da música africana com a electrónica, em 1998 Galliano faz a sua primeira viagem a África, criando dois anos mais tarde a editora Frikyiwa, na qual viria a juntar artistas africanos que conhecera ao longo das suas jornadas. Desde então que participa em diferentes projectos com diversas bandas como o Frédéric Galliano Electronic Sextet (que mistura o jazz com a música electrónica), Nahawa Doumbia (cantora e banda do Mali com quem começou por explorar a relação entre a música electrónica e africana), Néba Solo, a Orchestre Maquisard International e The African Divas.

"Leiley [Transglobal Underground Remix]", Dania (Líbano) - arabic music
A jornada musical prossegue com a libanesa Dania, que nos traz o tema “Leily”, uma poderosa canção remisturada pelos Transglobal Underground (mais conhecidos pelo seu trabalho com lendas do rock como Jimmy Page e Robert Plant) e que varreu as pistas de dança do Dubai a Bogotá. Dania começou por trabalhar como apresentadora numa televisão local libanesa. O seu talento foi então descoberto por um canal de música difundido por satélite para a Ásia e Médio Oriente. Junta-se então ao Channel V em 1995, tornando-se a primeira VJ árabe num canal internacional de televisão. Mais tarde muda-se para a Abu Dhabi TV, onde apresenta o mais conhecido programa árabe de entretenimento. Com o álbum de estreia, que foi um enorme sucesso na região, consolida a sua jovem carreira na cena musical árabe. Neste segundo trabalho ”Dania II”, lançado em 1999, a cantora ilustra as suas habilidades e versatilidade vocal. Uma mistura única e eclética de influências árabes, inglesas, espanholas e gregas, que apela a todas as nacionalidades, tendo aparecido numa série de compilações em todo o mundo e em vários canais como a MTV.

"Azara Alhai", Rasha (Sudão) - jazz fusion, sudan folk
Incursão até ao Sudão com o tema “Azara Alhai”, interpretado por Rasha, uma voz que encarna na perfeição todo o mistério e sensualidade do oriente. O seu talento revelou-se muito cedo, já que na sua família não faltam pintores, actores e músicos. A dureza do regime islâmico militar do Sudão obriga Rasha a abandonar Ondurman, a sua terra natal, localizada junto a Jartum, a capital do Sudão. Depois de uma breve passagem pelo Cairo, em 1991 muda-se para Espanha, país onde residem os seus irmãos Omaima e Wafir, este último membro dos Radio Tarifa. Nos primeiros anos, Rasha estuda e trabalha, mas pouco a pouco, pela mão de Wafir, vai-se introduzindo nos circuitos musicais. Em 1994 grava o álbum “Sudaniyat”, carta de apresentação como cantora, onde mostra uma visão muito pessoal da tradição das correntes mais actuais da música do país imenso que é o Sudão. Um disco que recebe grandes elogios da crítica europeia e chega mesmo ao mercado norte-americano. Entretanto, Rasha tem vindo a tocar com outros artistas africanos, todos eles radicados em Madrid. Na sua música, que nos arranjos vocais se aproxima à árabe e nos metais ao jazz, expressa as suas ilusões e nostalgias, denunciando também a situação actual do povo sudanês e os problemas que milhares de emigrantes enfrentam.

"Yann Derrien", Carlos Núñez (Espanha) - celtic music
A viagem musical continua com o tema “Yann Derrien”, de Carlos Nuñez, provavelmente o mais conhecido gaiteiro galego de sempre, que encabeça uma lista tradicionalmente reservada a escoceses, irlandeses ou bretões. Considerado o Jimi Hendrix da gaita e exímio tocador de flauta, whistle e ocarina, este produtor e compositor, natural de Vigo e apaixonado pelos poemas de Rosalía de Castro, começou a tocar gaita aos oito anos. O sucesso estrondoso do seu primeiro disco “A Irmandade das Estrelas”, gravado em 1996 e que vendeu mais de cem mil cópias em Espanha, chamou a atenção para a música tradicional galega. Carlos Núñez adiciona-lhe então uma visão mais aberta, aproveitando a ligação histórica desta à música latina vinda da América através da imigração, à medieval europeia recebida pelo caminho de Santiago e aos sons orientais do sul. Em todo o mundo, Carlos Núñez e a sua banda já venderam mais de um milhão de discos, algo reforçado depois do êxito da banda sonora de Mar Adentro. Em "Un Galicien en Bretagne" este conta de novo com a colaboração de alguns dos mais importantes nomes da folk europeia, caminho aberto em 1989 depois do convite dos The Chieftains para participar na banda sonora do filme "A Ilha do Tesouro", que o nomearam sétimo elemento do grupo. Com as suas participações nos festivais celtas em França, Carlos Núñez tornou-se no mais bretão dos galegos. Neste álbum, editado em 2003, reencontra-se com o bretão Alan Stivell e o catalão Jordi Savall, mobilizando outros artistas galegos devido ao Prestige, tragédia ambiental que um ano antes afectou as costas espanhola e francesa.

"Danza dos Esqueletes", Luar Na Lubre (Espanha) - celtic folk
Regresso à Galiza com os embaixadores da folk celta contemporânea, que a 22 de Julho vão estar no festival Tom de Festa, em Tondela. Naturais da Corunha, os Luar Na Lubre trouxeram-nos o tema “Danza dos Esqueletes”, extraído do álbum “Saudade”, editado este ano. Uma música que presta homenagem aos gaiteiros que tiveram de deixar a sua terra e com eles levaram a sua música, como são os casos de Manuel Dopazo, Castor Cachafeiro e Antonio Mosquera. Com nove trabalhos editados, os Luar na Lubre defendem a cultura, a tradição e a música galegas, sem fecharem portas às influências externas. O grupo é uma presença constante em muitos festivais em Espanha e na Europa, mas a sua aposta centra-se agora na América do Sul, de onde emana a música que integra o seu último álbum. Bieito Romero, Patxi Bermúdez, Xulio Varela e Xan Cerqueiro são os quatro elementos que restam da banda original, criada em 1986 e que dez anos depois saltava para a ribalta internacional com o apadrinhamento de Mike Oldfield no seu disco “Voyager”. Neste trabalho os Luar na Lubre resgatam velhas melodias e harmonias melancólicas, bem como poemas de García Lorca e de autores galegos da emigração, utilizando-os em temas que falam de nostalgia, do exílio e da saudade. Tudo numa homenagem à Galiza que chegou à América Latina e se fundiu com a cultura daquele continente.

"Les Yeux Noirs", Coco Briaval (França) - gypsy swing, jazz, blues
A jornada prossegue com o guitarrista Coco Briaval, que nos traz o tema “Les Yeux Noirs”, extraído do álbum “Musique Manouche – Gypsy Music”, editado em 1996. Nos anos 60 e antes de se instalar no sul de França, Coco Briaval foi um dos maiores nomes do jazz parisiense, tendo tocado lado a lado com músicos reputados como o saxofonista americano Dexter Gordon ou o soul singer Otis Redding. Com a gravação de um primeiro disco, revelava-se o talento precoce dos irmãos Briaval, três adolescentes que então formaram Coco Briaval Gypsy Swing Quintet, homenageando grandes compositores e intérpretes de jazz como Charli Christian e Wes Montgomery. O desafio era tornar a tradição do jazz acessível a todos os públicos, mostrando o carácter familiar do gypsy swing, tal como Django Reinhardt o fez com o seu génio instrumental e talentosa composição. Um sonho que acabou por ser realizado por estes rapazes de origem piemontesa do lado da mãe (ciganos de etnia sinti) e anglo-húngaro do lado do pai (ciganos alemães). Com os seus dois irmãos René e Gilbert na guitarra e na bateria, o seu filho Zézé no saxofone e ainda Guitou no contrabaixo, Coco Briaval propõe uma visão de Django sem clichés. Eles mergulham na música cigana de etnia sinti, transmitida de geração em geração, mas resgatada para o presente numa orquestração original, deixando-se influenciar também pelo swing e pela música contemporânea.

"Sempre Di Domenica", Daniele Silvestri (Itália) - pop, rock, funky
Na sua estreia no programa, Daniele Silvestri apresentou-nos o tema “Sempre Di Domenica”, extraído do seu álbum “Unò Dué”, editado em 2002. Este cantor italiano, autor de conhecidos temas de música ligeira, mergulha no imaginário contemporâneo linguístico e musical daquele país para emergir com canções refinadas. Natural da cidade de Roma, onde nasceu em 1968, o cantautor italiano mais apreciado do panorama actual fez parte de numerosos grupos musicais. Em 1994 lança o primeiro álbum a solo, conquistando a atenção do público. Um dos temas permite-lhe então participar no Festival de Sanremo, onde conquistaria vários prémios da crítica. Nos temas incluídos neste trabalho, o sexto da sua carreira, Daniele Silvestri confirma a sua qualidade enquanto autor, servindo-se de ironia quanto baste e cruzando a música pop com o rock e o funky.

"One For Senegal", Touré Kunda (Senegal) & The Pleb (Itália) - afro-rock, m'balax
O italiano The Pleb propõe-nos agora uma ponte com o Senegal na sua remistura de “One For Senegal”, um tema dos Touré Kunda, dueto formado pelos irmãos Ismaïla Touré e Sixu Tidiane. Na sua adolescência, este DJ estabelecido em Nova Iorque fez parte do universo musical londrino, tendo passado no início dos anos 90 pela banda The Indians. Já os senegaleses Touré Kunda, banda fundada nos anos 70 pelos irmãos Amadou, Ismaila, Sixu e Ousamane Touré, inspiraram-se inicialmente nos ritmos tradicionais africanos, usando instrumentos como a kora, o balafon e o sabar, os quais no entanto viriam a ser substituidos por guitarras e sintetizadores. No final dos anos 70 eles mudam-se para Paris, tocando uma forma particular de m'balax, inspirada no afro-rock a que chamaram de djambaadong. Percussões africanas tradicionais e cantos tribais senegaleses coexistem então com amostras de som, batidas programadas e manipulação de vozes, retratando um universo geográfico onde se fala em soninké, ouolof, mandingo, diola e criolo português.

"Sou", Cheikh Lô (Senegal, Burkina Faso) - afropop, m'balax
Entretanto continuamos estrada fora ao ritmo da melhor música do mundo. Cheikh Lô traz-nos o tema “Sou”, extraído do álbum “Lamp Fall”, editado em 2005. Cheikh Lô vive em Dakar, a capital do Senegal, mas cresceu no Burkina Faso. A sua música constrói-se a partir da pop característica daquela cidade e dos ritmos m'balax, bem ao estilo do conhecido senegalês Youssou N'Dour, com quem gravou o primeiro álbum em 1995. Cheik Lô foi membro da Orchestre Volta Jazz, a qual tocava sucessos cubanos e congoleses bem como versões pop de músicas tradicionais do Burkina Faso. Em 1978 mudava-se para o Senegal, onde começa por tocar com várias bandas. A música acústica e eléctrica de Cheik Lô, que fez dele uma estrela no Senegal e na Europa, explora ainda elementos de salsa, rumba congolesa, folk e jazz, bem como impulsos de reggae, soukous e um sabor a Brasil. A 6 de Julho ele vai estar em Lisboa para participar no Africa Festival.

"Hit The Road Jack [Album Version]", Mo' Horizons (Alemanha) - bossanova, nujazz, soul
Os Mo'Horizons, dupla de Hannover formada pelos produtores, músicos e DJ’s Ralf Droesemeyer e Mark ‘Foh’ Wetzler, encerram esta edição do MULTIPISTAS. No seu primeiro trabalho, estes misturam influências da soul dos anos 50 e 60 e temas funky dos anos 70 à década de 90. Eles integram técnicas modernas de produção com uma mão cheia de músicos talentosos e vocalistas que criam ao vivo um som variável no estilo mas homogéneo e identificável como sendo dos Mo’Horizons. Ao fundirem soul, funk, nujazz, afro, bigbeat, boogaloo, dub, bossanova e salsa com a downbeat, o drum‘n’bass e o triphop, eles quebram todas as fronteiras e barreiras musicais. Neste tema “Hit the Road Jack (Pé na Estrada), extraído do álbum “Some More Horizons”, editado em 2005, os Mo’Horizons pegam num clássico dos anos 60 de Ray Charles, adicionando-lhe um cheirinho a português do Brasil.

Jorge Costa

Na abertura do programa, os Warsaw Village Band trazem-nos uma versão electrónica do tema “Joint Venture In The Village (I Had a Lover)”, extraído do álbum “People’s Spring”. Fundada em 1997 por seis jovens polacos, a Warsaw Village Band procura adaptar a música tradicional do seu país à modernidade. Para isso, misturam melodias de dança, baladas e canções rurais com géneros como a dub, a trance e o reggae. Os Warsaw Village Band baseiam-se na tradição musical da Masóvia, retratando a dureza e o isolamento daquela que é uma das mais pobres regiões da Polónia. Uma herança que vai buscar a sonoridade à suka (violino polaco do século XVI) e à percussão (já que estes eram os instrumentos mais baratos e de ritmo mais simples), bem como à “white voice”, forma habitual de cantar nas montanhas daquele país. Outra das paixões dos Warsaw Village Band é a de visitar velhos músicos nas pequenas aldeias para os ouvirem falar sobre as suas tradições e costumes, principal inspiração para o seu trabalho, que pretende apresentar-se aos jovens como uma alternativa à cultura de massas.

"Katariina",

(Finlândia) - traditional finnish folk/suomirock
A jornada musical prossegue com as Värttinä, uma presença já habitual no programa, que desta vez nos trazem o tema “Katariina”, extraído do álbum “Aitara”, editado em 1994. A mais conhecida banda da folk contemporânea finlandesa, que este ano celebra o seu 23ºaniversário e estará a 29 de Julho no Festival de Músicas do Mundo de Sines, traz-nos uma apelativa mistura de pop ocidental com folk europeia e nórdica. As Värttinä são conhecidas por terem inventado uma visão contemporânea da tradição vocal feminina e da poesia popular da Carélia, uma região isolada na fronteira entre a Finlândia e a Rússia, reforçando as letras emocionais com os ritmos em fino-úgrico, idioma antecessor do finlandês. O coração do grupo é hoje formado pelas vozes harmónicas com timbres impressionantes de Mari Kaasine, Johanna Virtanen e Susan Aho, suportadas por seis músicos acústicos que misturam a instrumentação tradicional e contemporânea (feita à base da guitarra, violino, acordeão, baixo e percussões) com ritmos complexos e arranjos modernos.

"Ful-Valsen", Hedningarna (Suécia) - swedish folk, ethno-punk
Incursão até à Escandinávia com os Hedningarna e “Ful-Valsen”, tema recheado de ritmo e groove, com especial destaque para os efeitos sonoros eléctricos, e que foi retirado do álbum “Kaksi!” (palavra finlandesa que quer dizer “dois”). Neste trabalho,

"Iluminando", Amparanoia (Espanha) - rumba, reggae, son, bolero, ska
A viagem continua com os Amparanoia, que nos apresentam o tema “Iluminando”, extraído do álbum “Enchilao”, lançado em 2003. O grupo foi buscar o seu nome à vocalista Amparo Sánchez, uma das vozes femininas mais típicas do sul de Espanha. Em 1996, a jovem andaluza criou este projecto musical, que acabaria por nascer no bairro de Lavapies, em Madrid, e viria a crescer e desenvolver-se em Barcelona. Apadrinhados por Manu Chao, os Amparanoia têm por lema a expressão “rebeldia com alegria”. Eles viajam pela tradição espanhola, música balcã e cigana, passando também pelo rock, cumbia, funk, reggae, rumba, son, bolero e ska, sem esquecer o jazz latino com toques electrónicos e toda uma gama de sons latinos alternativos onde sobressaem a inspiração e a improvisação. O auge do seu reconhecimento internacional foi o BBC World Music Awards 2005, que os distinguiu como melhor grupo europeu. Expressando a realidade e lutando por um mundo mais justo, os Amparanoia continuam em tournée pelos mais importantes festivais de música do mundo. A 30 de Junho eles vão estar no Festival MED de Loulé.

"Pão Prá Multidão", Donna Maria (Portugal) - electronic folk
Os portugueses Donna Maria apresentam-nos o tema “Pão Prá Multidão”, extraído do seu álbum de estreia “Tudo É Para Sempre”. Um trabalho editado em 2004 e em que participam músicos portugueses e brasileiros como Paulo de Carvalho, Vitorino, Letícia Vasconcelos, Ciro Cruz, Paulinho Moska e Gil do Carmo. O álbum já vendeu mais de três mil exemplares no estrangeiro e mais de 10 mil em Portugal. O novo disco do grupo deverá ser editado no final deste ano. Os Donna Maria são um trio lisboeta, formado por Marisa Pinto, Miguel Ângelo Majer e Ricardo Santos, cuja visão electrónica contemporânea da música portuguesa os leva a misturar elementos tradicionais como a guitarra portuguesa ou o acordeão. XL Femme foi o nome inicial escolhido para esta banda, que surgiu num bar da capital. Eles começaram por reinventar canções, mas aos poucos a música portuguesa foi tomando conta do seu reportório. Um grupo com o coração no passado, os pés no presente e os olhos no futuro. Este mês, os Donna Maria estiveram em Proença-a-Nova e em Vila de Rei. A 5 de Agosto vão até ao Casino da Figueira da Foz e no dia 20 estarão nos Açores no Festival "Maré de Agosto".

"Senegal Fast Food", Amadou & Mariam (Mali) - afro pop blues
A dupla Amadou & Mariam traz-nos agora o tema “Senegal Fast Food”, extraído do álbum “Dimanche a Bamako”. Bem ao género do afro pop blues, e com muita guitarra à mistura, este trabalho, produzido por Manu Chao, está recheado de ritmos africanos, batidas funky, harmonias suaves e pedaços de reggae, jazz, blues e rock. Se nos anos 90 foram os Buena Vista Social Club a trazerem para a ribalta a vibrante música do mundo, agora é a vez deste casal africano. Mariam começou por cantar em casamentos e festivais tradicionais, enquanto que Amadou era guitarrista nos Les Ambassadeurs, uma das mais lendárias bandas africanas. Os dois são invisuais e conheceram-se em 1977 num instituto de cegos em Bamako, a capital do Mali. A partir de então tornaram-se um casal inseparável na vida e na música. Ele, o "irmão funky”, na voz e na guitarra eléctrica, e ela, “a irmã soul”, na voz, formam a dupla mais explosiva da música africana actual.

"Dodosya", Yela (La Réunion) - maloya, séga, salégy, kadrille, jazz, gospel
Yela estreou-se no MULTIPISTAS com o tema “Dodosya”, extraído do álbum “Mã Kalou”. Yela, cujo verdadeiro nome é Marie-Christine Daffon, nasceu em St-Pierre, na parte sul de La Réunion, uma região de administração francesa, situada a leste do Madagáscar. Yela faz parte de uma geração de artistas apostados em defender e reinventar o património cultural daquela ilha, recorrendo para isso ao génio poético da língua creoula e dos ritmos tradicionais. A sua música mistura o património local (maloya, séga, salégy, kadrille) com o jazz, o gospel, as músicas caribenhas e africanas. Yela possui uma voz calorosa e carregada de emoções, que reflecte o quotidiano, as esperanças, as batalhas ou as ambições pessoais e colectivas. Um percurso musical onde se contam colaborações como Manu Dibango, Mario Canonge, Etienne Mbappe, Peter Ntollo Sagona ou Amadou François Corea. O álbum “Mã Kalou”, editado em 2003, é um mosaico cultural a través do qual Yela nos faz entrar no seu universo generoso e optimista.

"Superbol", Alms For Shanti (Índia) - indian music
A melhor música do mundo vem agora da Índia. Os Alms For Shanti trazem-nos o tema “Superbol”, extraído do álbum Kashmakash, editado em 2004. Eles foram criados em Bombaim por Uday Benegal e Jayesh Ganhdi, este último mais conhecido como ex-vocalista e guitarrista da famosa banda de rock Indus Creed, que chegou a tocar no festival WOMAD. Eles actuaram lado a lado com John Bom Jovi para um público de 40 mil pessoas em Bombaim, e em 1996 com Slash, o guitarrista dos Guns N’Roses, em Bangalore. Os Alms For Shanti, que entretanto se mudaram para Nova Iorque, são um projecto indiano alinhado com estilos contemporâneos, criado para explorar a amálgama de texturas, ritmos e melodias tradicionais indianas, com sons ocidentais. Para isso, juntaram velhos amigos, tendo vindo a colaborar com alguns dos melhores músicos clássicos indianos como Taufiq e Fazal Qureshi (irmãos de Zakir Hussain), Ustad Sultan Khan ou Rakesh Chaurasia.

"Daouni", Cheikha Rimitti (Argélia) - raï, châabi, gnawa music
A argelina Cheikha Rimitti, natural de Tessala e que faleceu no passado mês de Maio, aos 83 anos, trouxe-nos o tema “Daouni”, extraído do álbum “N’Ta Goudami”, trabalho que pudemos conhecer na semana passada no programa. Órfã e rodeada de pobreza, aos vinte anos Rimitti junta-se aos músicos ambulantes Hamdachis, cantando e dançando em cabarés. Nas mais de 200 canções que escreveu fala das alegrias e das tristezas da vida, quebrando tabus ao abordar temas como a sexualidade feminina, o alcoolismo ou a guerra. A vida boémia e a sua rebeldia feminista forçam-na ao exílio em França nos anos 60, país onde encontraria um novo público, chegando a gravar um disco de pop-raï com o rocker experimental Robert Fripp. Cheikha (sénior) Rimitti realizou concertos em todo o mundo, associando-se a nomes como Oum Keltoum, Cheikha Fadela ou mesmo os Red Hot Chilli Peppers. A mãe do raï é uma referência para as estrelas mais jovens deste género, não só pela liberdade de expressão que conquistou e pela rebeliião linguística e moral, mas também por lembrar que a fé espiritual pode coexistir com o prazer físico. O seu último album foi gravado em Oran, berço do raï. Um trabalho com marcas daquela cidade, sintetizador de voz e caixa de ritmos, onde a voz áspera e suave de Rimitti é combinada com acústica moderna e instrumentos tradicionais como o bendir (instrumento de percussão), o tar (alaúde iraniano), a gasbâ (flauta tunisina) e a gallal (uma espécie de pandeireta). Tudo à mistura com influências africanas do gnawa, harmonias árabe-andalusas do châabi e improvisos da soul argelina.

"Na Liña da Maré", Xosé Manuel Budiño (Espanha) e Sara Tavares (Portugal) - folk, celtic music
Entretanto, no MULTIPISTAS continuamos estrada fora ao ritmo da melhor música do mundo. Para já seguimos “Na Liña da Maré”, um tema de Xosé Manuel Budiño, extraído do seu terceiro álbum “Zume de Terra”, editado em 2004, onde o gaiteiro surge lado a lado com Sara Tavares. Um disco de originais, feito com sumo de terra e mel de tradição, onde Budiño tem também como convidados especiais os escoceses Capercaillie e Michael McGoldrick e ainda a brasileira Lilian Vieira, vocalista dos Zuco 103.

"Lo Lovo Horo", Boukovo (França) - balkan music
Os Boukovo encerram o programa com o tema “Lo Lovo Horo”, extraído do álbum “Rencontres”, lançado em 2002 e que pudemos conhecer na edição anterior do MULTIPISTAS. O grupo foi criado em 1996 pelo clarinetista George Mas, que juntou outros músicos franceses apaixonados pelos sons dos Balcãs. Estes foram buscar a designação ao boukovo, um pimento forte produzido numa aldeia macedónia com o mesmo nome, concentrando-se na procura de um som sem qualquer formatação ocidental. Seguindo o exemplo das fanfarras ciganas populares na Macedónia, os Boukovo apresentam uma música enérgica e festiva, carregada de várias influências. Estes nativos da região da Provença decidiram centrar-se então nos bailes populares da Grécia, Bulgária e ex-Jugoslávia, em particular no repertório da Macedónia grega onde o clarinete se pode juntar livremente à dança. E foi numa viagem aos Balcãs que eles encontraram o acordeonista búlgaro Neno Koytchev, cuja matriz de repertório búlgaro, macedónio e sérvio dá novas cores à já rica palete sonora dos Boukovo, que têm participado em inúmeros festivais e concertos em França, Espanha e Bélgica. Os Boukovo animam numerosas festas das comunidades balcânicas residentes no sul de França, marcando a diferença pelas suas coreografias espontâneas, encorajadas pelos musicos que não hesitam em saltar para a pista de dança.

Jorge Costa

A 13ª emissão do MULTIPISTAS - MÚSICAS DO MUNDO, difundida no sábado, 17 de Junho, entre as 17 e as 18 horas, na Rádio Urbana (Castelo Branco - 97.5 FM; Fundão, Covilhã e Guarda - 100.8 FM), vai de novo para o ar na segunda-feira, 19 de Junho, entre as 19 e as 20 horas.

"Jani El Hob", Cheikha Rimitti (Argélia) - raï, châabi, gnawa music
Cheikha Rimitti, que abriu o programa com o tema “Jani el Hob”, extraído do álbum “N’Ta Goudami”, editado em 2005, nasceu em Tessala, na Argélia, tendo falecido no passado mês de Maio, aos 83 anos. Órfã e rodeada de pobreza, aos vinte anos Rimitti junta-se aos músicos ambulantes Hamdachis, cantando e dançando em cabarés. Nas mais de 200 canções que escreveu fala das alegrias e das tristezas da vida, quebrando tabus ao abordar temas como a sexualidade feminina, o alcoolismo ou a guerra. A vida boémia e a sua rebeldia feminista forçam-na ao exílio em França nos anos 60, país onde encontraria um novo público, chegando a gravar um disco de pop-raï com o rocker experimental Robert Fripp. Cheikha (sénior) Rimitti realizou concertos em todo o mundo, associando-se a nomes como Oum Keltoum, Cheikha Fadela ou mesmo os Red Hot Chilli Peppers. A mãe do raï é uma referência para as estrelas mais jovens deste género, não só pela liberdade de expressão que conquistou e pela rebeliião linguística e moral, mas também por lembrar que a fé espiritual pode coexistir com o prazer físico. O seu último album foi gravado em Oran, berço do raï. Um trabalho com marcas daquela cidade, sintetizador de voz e caixa de ritmos, onde a voz áspera e suave de Rimitti é combinada com acústica moderna e instrumentos tradicionais como o bendir (instrumento de percussão), o tar (alaúde iraniano), a gasbâ (flauta tunisina) e a gallal (uma espécie de pandeireta). Tudo à mistura com influências africanas do gnawa, harmonias árabe-andalusas do châabi e improvisos da soul argelina.

"Cupurtlika", Boukovo (França) - balkan music

Os Boukovo trazem-nos o tema “Cupurtlika”, extraído do álbum “Rencontres”, lançado em 2002. O grupo foi criado em 1996 pelo clarinetista George Mas, que juntou outros músicos franceses apaixonados pelos sons dos Balcãs. Estes foram buscar a designação ao boukovo, um pimento forte produzido numa aldeia macedónia com o mesmo nome, concentrando-se na procura de um som autêntico, sem qualquer formatação ocidental. Seguindo o exemplo das fanfarras ciganas, orquestras muito populares na Macedónia, os Boukovo apresentam uma música enérgica e festiva, carregada de várias influências. O grupo interpreta repertório de dança da cultura macedónia, a qual é partilhada por três países dos Balcãs: a República da Macedónia (antiga Jugoslávia), a Grécia e a Bulgária. Estes nativos da região da Provença decidiram centrar-se então nos bailes populares da Grécia, Bulgária e ex-Jugoslávia, em particular no repertório da Macedónia grega onde o clarinete se pode juntar livremente à dança. E foi numa viagem aos Balcãs que eles encontraram o acordeonista búlgaro Neno Koytchev, cuja matriz de repertório búlgaro, macedónio e sérvio dá novas cores à já rica palete sonora dos Boukovo, que têm participado em inúmeros festivais e concertos em França, Espanha e Bélgica. Os Boukovo animam numerosas festas das comunidades balcânicas residentes no sul de França, marcando a diferença pelas suas coreografias espontâneas, encorajadas pelos musicos que não hesitam em saltar para a pista de dança.

"Roomal", Musafir (Índia) - rajasthan music

"Retany", Tarika (Madagáscar) - madagascar music
No MULTIPISTAS seguem-se os Tarika com o tema “Retany”. Liderados pelo cantor e compositor Hanitra Rasoanaivo, os Tarika são um dos grupos do Madagáscar com maior sucesso internacional. A forma única como interpretam as raízes musicais da sua ilha encaixada no oceano Índico granjeou-lhes fãs em todo o mundo. No final dos anos 70 um conjunto de bandas pioneiras no uso de sons electrizantes actualizou ritmos da ilha como o salegy, o watcha watcha, o tsapika, o sega ou o sigaoma, fazendo rejuvenescer canções de outros tempos. Neste trabalho editado em 1998, álbum a que chamaram “D” (palavra que se refere a dihy, o que no Madagáscar quer dizer “dança”), os Tarika prestam tributo à variedade de estilos de dança do Madagáscar – recorde-se que cada uma das dezoito tribos deste país tem as suas danças especiais. As raízes malaio-polinésias misturam-se então de forma moderna com influências do vizinho continente africano, criando harmonias justas, grooves flutuantes, melodias contagiosas e danças enérgicas, o que fez com que os trabalhos dos Tarika conquistassem o topo das tabelas de música do mundo na Europa e na América do Norte. O álbum integra também danças mais recentes e algumas composições, incluindo a dança bakabaká, criada pelos Tarika.

"Monsieur le Maire de Niafunké", Ali Farka Touré & Toumani Diabaté (Mali) - african blues, kora music
O tema “Monsieur le Maire de Niafunké” é extraído do álbum “In The Heart Of The Moon”, editado em 2005. Um trabalho que juntou pela primeira vez dois gigantes da música do Mali: o guitarrista Ali Farka Touré e o maestro da kora Toumani Diabaté. Ali Farka Touré, o pai dos blues africanos desapareceu no passado mês de Março, aos 66 anos. Este passou as suas últimas semanas de vida a concluir “Savane”, um disco póstumo que será lançado em todo o mundo a 17 de Julho. O trabalho, que contou com as participações do saxofonista Pee Wee Ellis, antigo colaborador de James Brown e Van Morrison; das percussões de Faín Dueñas, dos Radio Tarifa; ou de Mama Sissoko, intérprete do ngoni, um alaúde ancestral, predecessor do banjo, foi gravado no hotel Mande, o mesmo lugar onde Touré registou com Toumani Diabaté o álbum “In The Heart Of The Moon”, vencedor de um grammy este ano. Único sobrevivente de uma família de dez irmãos, razão pela qual os pais lhe terão dado a alcunha de Farka – que apesar de querer dizer “burro”, na tradição do povo Arma significa “um animal forte e tenaz” –, Ali Farka Touré fez parte de várias bandas e foi artista residente na Rádio Mali. Cantava em songhai, peul, bambara, fula, tamaschek e outras línguas da região, abertura que lhe permitiu contribuir para a reconciliação nacional no Mali após a mais recente revolta dos tuaregues. O amor à terra levou-o a viver durante muitos anos na aldeia de Niafunké, situada na ponta do deserto do Sara e ao redor do Rio Níger. Como não existia electricidade nem água canalizada, aí investiu em máquinas agrícolas utilizando todo o dinheiro ganho com a música. Nos últimos anos, tal como retrata este tema, chegou mesmo a ser presidente da câmara de Niafunké. O bluesman africano misturava os sons do Mali, carregados de influências árabes, com reminescências dos blues americanos, lembrando ao mundo que foi nesta região do globo que nasceram os blues.

"Tuulilta Tuleva", Värttinä (Finlândia) - traditional finnish folk/suomirock
A jornada musical prossegue com os Värttinä e o tema “Tuulilta Tuleva”, extraído do seu sexto álbum “Kokko”, editado em 1996. A mais conhecida banda da folk contemporânea finlandesa, que este ano celebra o seu 23ºaniversário, traz-nos uma apelativa mistura de pop ocidental com folk europeia e nórdica. Os Värttinä são conhecidos por terem inventado um estilo baseado nas raízes da região da Carélia, em particular nas tradições vocais femininas e nos antigos poemas rúnicos. Da imagem do grupo, constituído por três estridentes vocalistas femininas e seis músicos acústicos, fazem parte a instrumentação acústica tradicional e contemporânea (guitarra, violino, acordeão, baixo e percussões), os ritmos complexos e as composições e arranjos modernos. As letras emocionais da banda são reforçadas pelos insistentes ritmos em fino-úgrico, idioma antecessor do finlandês. Tudo começou numa pequena cidade na Carélia filandesa, junto à fronteira com a Rússia. Entusiasmados pelas mães, alguns miúdos juntaram-se para cantar músicas folk e tocar kantele (uma versão filandesa do zither, instrumento da família da cítara). À medida que foram crescendo, muitos deixaram o grupo, mas quatro raparigas criaram uma nova formação, que continuou a fazer arranjos tradicionais mas passou também a compor temas próprios.

"Get Reel", Urban Trad (Bélgica) - techno folk
Viagem pelos caminhos da folk urbana com os belgas Urban Trad, que nos trouxeram o tema “Get Reel”, extraído do álbum “Kerua”, editado em 2003. E como diz o próprio nome, os Urban Trad combinam a melhor música tradicional com ritmos modernos, criando uma folk influenciada por um ambiente techno. O projecto arrancou em 2000, quando Yves Barbieux, compositor da banda Coïncidence, decidiu reunir uma vintena de artistas da cena tradicional belga para misturar música celta com sons urbanos. Se inicialmente se tratava de conceber um primeiro álbum, o êxito alcançado encorajou o autor a juntar outros músicos aos Urban Trad. No Festival Eurovisão da Canção realizado na Letónia em 2003, os oito elementos do grupo conquistam o segundo lugar e o grande público. Com “Sanomi”, uma canção interpretada num idioma imaginário, levaram pela primeira vez o característico timbre da gaita-de-foles ao palco da Eurovisão. Um grupo de música de inspiração tradicional, mas ancorado no presente, já que instrumentos acústicos como o acordeão, o violino e a flauta são acompanhados pelo canto e por uma secção rítmica cheia de energia e musicalidade. Volvidos três álbuns, o repertório dos Urban Trad passou a abranger, para além da música celta, a Escandinávia, a França, a Espanha e os países de Leste. É assim a música tradicional europeia do século XXI.

"Te Veel", Think Of One (Bélgica) - brass band music, folk, funk, reggae
A melhor música do mundo vem agora da Bélgica com os Think Of One, a primeira banda sobre rodas. Este grupo multicultural traz-nos o tema “The Veel”, extraído do álbum “Naft”, editado em 2000. Um repertório que foi gravado em apenas três dias em De Werf, junto à cidade de Bruges. Os Think Of One misturam de forma única a música das fanfarras belgas com a folk, o jazz, o funk, a dub, o reggae, o punk rock ou o calypso, tendo vindo a aproximar-se de outros universos como o gnawa marroquino e as sonoridades do nordeste brasileiro. Para alimentarem o sonho de poderem tocar em qualquer parte do mundo, desde que o tempo assim o permitisse, em 1999 os Think Of One transformaram uma carinha, baptizada de Naftmobyl, num palco ambulante com três níveis, amplificação sonora e iluminação, acrescentando-lhe mais tarde uma roulotte. A tournée de estreia dos seis elementos do grupo começou em França, com uma paragem no festival de rua de Avignon para uma festa sonora que se prolongou por quatro dias, provando que com a sua música alegre é sempre possível dançar do início ao fim. Os Think Of One, que em 2004 conquistaram um World Music Award da BBC, vão estar em Loulé a 29 de Junho para participar na 3ªedição do Festival MED.

"Kike On The Mic", Hip Hop Hoodios (EUA) - latin funk, klezmer music, cumbia, hip-hop
Os Hip Hop Hoodios apresentam-nos o tema “Kike On The Mic”, extraído do álbum “Água Pá La Gente”, uma intrigante mistura de instrumentos clássicos e modernos. Eles são um famoso colectivo latino-judaico de música urbana, liderado por Josh Norek e Abraham Velez, que conta com a participação de nomes notáveis da cena latina e judaica como Santana, Jaguares, The Klezmatics, Orixa, Los Mocosos, Midnight Minyan e Los Abandoned. Sedeada em Los Angeles e Nova Iorque, a banda das duas costas americanas foi buscar o seu nome “hoodio” a uma mistura feita a partir da palavra castelhana judio (que em português equivale a “judeu”). Produzido por Happy Sanchez, este álbum é o segundo trabalho dos Hip Hop Hoodios, combinando letras provocadoras, divertidas e inteligentes com funk latino, música klezmer, cumbia e hip-hop.

"Su Dilu Est Goi", Tazenda (Itália) - italian folk, pop-rock
O programa despede-se com os italianos Tazenda e o tema “Su Dillu Est Goi”, extraído do álbum “Sardinia”. Este é um trio vocal da região da Sardenha que alcançou grande sucesso comercial no início dos anos 90 ao participar em duas edições do Festival de San Remo. O seu uso do dialecto local, juntamente com a leitura simplificada dos antigos cantos polifónicos – um estilo cujas origens permanecem incertas mas que constitui uma das principais formas musicais da Sardenha –, provou ser um passo importante na aproximação dos Tazenda ao auditório italiano. Um toque exótico com que o grupo se abriu ao mundo. A sua música possui uma estrutura pop-rock, misturando-se com instrumentos tradicionais como a launeddas (uma espécie de flauta) e com sons electrificados, fazendo do seu universo sonoro uma das mais bem sucedidas experiências de música do mundo que ocorreram em Itália na última década.

Jorge Costa

A 12ª emissão do MULTIPISTAS - MÚSICAS DO MUNDO, difundida no sábado, 10 de Junho, entre as 17 e as 18 horas, na Rádio Urbana (Castelo Branco - 97.5 FM; Fundão, Covilhã e Guarda - 100.8 FM), vai de novo para o ar na segunda-feira, 12 de Junho, entre as 19 e as 20 horas.

"La Realité", Amadou & Mariam (Mali) - afro pop blues
A dupla Amadou & Mariam traz-nos os sons do Mali com o tema “La Realité”, extraído do álbum “Dimanche a Bamako”. Este trabalho, lançado em França em Novembro de 2004, chegou no verão passado ao segundo lugar das tabelas de vendas, o mais alto posto alguma vez alcançado na Europa por um disco africano. Em todo o mundo “Dimanche a Bamako” já vendeu cerca de meio milhão de cópias. Bem ao género do afro pop blues, e com muita guitarra à mistura, este trabalho está recheado de ritmos africanos, batidas funky, harmonias suaves e pedaços de reggae, jazz, blues e rock. Se nos anos 90 foram os Buena Vista Social Club a trazerem para a ribalta a vibrante world music, agora é a vez deste casal africano. Mariam começou por cantar em casamentos e festivais tradicionais, enquanto que Amadou era guitarrista nos Les Ambassadeurs, uma das mais lendárias bandas africanas. Os dois são invisuais e conheceram-se em 1977 em Bamako, a capital do Mali, fundindo então as suas carreiras. Três anos depois casavam e davam o primeiro concerto juntos.

"M'Be Ddemi", Cheikh Lô (Senegal, Burkina Faso) - afropop, m'balax
Cheikh Lô apresenta-nos o tema “M’Be Ddemi” (A Rua), extraído do álbum “Bambay Gueej”, editado em 1999. Cheikh Lô vive em Dakar, a capital do Senegal, mas nasceu e cresceu no Burkina Faso. A sua música constrói-se a partir da pop característica daquela cidade e dos ritmos m'balax, bem ao estilo do conhecido senegalês Youssou N'Dour, que produziu o seu primeiro álbum em 1995. Cheik Lô foi membro da Orchestre Volta Jazz, a qual tocava sucessos cubanos e congoleses, bem como versões pop de músicas tradicionais do Burkina Faso. Em 1978 mudava-se para o Senegal, onde começa por tocar com várias bandas. A música acústica e eléctrica de Cheik Lô, que fez dele uma estrela no Senegal e na Europa, explora ainda elementos de salsa, rumba congolesa, folk e jazz, bem como impulsos de reggae, soukous e um sabor a Brasil. No album “Bambay Gueej” (Bamba, Oceano de Paz), Cheikh Lô adorna estes elementos com o funk e a soul. De novo uma floresta de percussões, guitarra acústica e sons afro-cubanos.

Os Dengue Fever com “We Were Gonna”, um tema extraído do álbum “Escape From Dragon House”, editado em 2005. Nos últimos sessenta anos o rock, com as suas notas de guitarra e percussões, influenciou profundamente numerosos géneros musicais e artistas que o misturaram com híbridos funky de todo o mundo. Foi o que aconteceu com os Dengue Fever, um sexteto de Los Angeles, liderado pela estrela da pop do Cambodja Ch’hom Nimol. Estes cantam em khmer, juntando os ritmos da pop cambodjana dos anos 60 – altamente influenciada pelo rock americano e pelas primeiras bandas de garagem psicadélicas do vizinho Vietname – com a sua própria panóplia eclética de estilos. A música dos Dengue Fever inclui ecos das bandas sonoras de Bollywood, soul etíope, rhythm & blues americano e folk do Cambodja. São sons locais misturados com rock de todo o planeta.

"Neem", Thierry 'Titi' Robin (França) - indian music, folk, rock
Thierry Robin, mais conhecido por Titi, traz-nos um tema extraído do álbum “Alezane”, editado em 2004. Uma antologia das gravações realizadas ao longo de doze anos por este músico, natural do sul de França, e que abrange 25 anos de composição. O arranjo do tema tradicional Neem remete-nos para o pungi, o instrumento do encantador de serpentes usado no Rajastão, que aqui é tocado por Banwari Baba, tendo como acompanhamento a voz de Saway Nath, um dos mais inventivos cantores da comunidade Kalbeliya daquele estado indiano. Em 1984, Thierry Robin, tocador de guitarra, alaúde árabe e bouzouki, produziu o seu primeiro trabalho com o indiano Hameed Khan. Mais tarde desenvolveria com o cantor bretão Erik Marchand um reportório de composições combinando o estilo de improvisação modal oriental taqsîm com o gwerz, um antigo lamento monofónico. A ligação à moderna folk ocidental surgiria com o Erik Marchand Trio, um mosaico de artistas que vai do norte da Índia à Andaluzia, passando pelos Balcãs. O resultado foi Kali Gadji, um novo grupo cuja orquestração incluía o saxofone, batidas e baixo. Titi Robin mistura então influências ciganas e orientais com rap francês e polirritmos sul-africanos, criando uma barreira entre a música étnica ocidental – feita de misturas de rock e jazz – e as restantes músicas do mundo. Um caminho encorajado por artistas como os cantores de flamenco Fosforito e Chano Lobato, ou o virtuoso tocador de alaúde árabe Munir Bachir.

"Iledeman", Etran Finatawa (Níger) - wodaabe and touareg music
No tema “Iledeman”, extraído do álbum “Introducing Etran Finatawa”, editado este ano, os Etran Finatawa levam-nos por uma travessia no deserto. Uma música que faz referência a uma famosa duna situada junto à cidade de Tchin-Tabaradene, no noroeste do Níger. Poderosa e hipnótica, a música dos Etran Finatawa combina instrumentos tradicionais e canções polifónicas dos wodaabe e dos tuaregues com arranjos modernos e guitarras eléctricas, criando um som único e inovador que demonstra como nas suas culturas a música continua a ser um meio terapêutico. Em 2004, seis músicos wodaabes e quatro tuaregues juntaram-se para formar esta banda. Os tuaregues e os wodaabe são dois dos grupos étnicos nómadas que vivem na savana do Sahel, no sul do Sáara. Uma região que durante milhares de anos foi ponto de passagem entre os árabes do norte de África e as culturas sub-sarianas. Enquanto que os wodaabe são nómadas do deserto, conhecidos pelos seus rebanhos e gado; os tuaregues são famosos criadores de camelos, facilmente identificáveis pelas pinturas no rosto. E apesar das suas culturas e línguas serem muito distintas, os Etran Finatawa (As Estrelas da Tradição) ultrapassaram as fronteiras étnicas e o racismo, trabalhando juntos para construírem um futuro melhor para os seus povos. Entretanto, a banda tornou-se famosa no Níger e foi convidada para participar em festivais no Mali e em Marrocos, tendo no ano passado feito uma tournée pela Holanda, Alemanha e Suiça.

"Muiñeira de Chandada", Milladoiro (Espanha) - celtic folk
Os Milladoiro trazem-nos o tema “Muiñeira de Chandada”, extraído do álbum “Castellum Honesti”, editado em 1991. Um trabalho de temas tradicionais galegos, gravado dois anos antes em Dublin, na Irlanda. Em 2005 os oito membros do grupo festejaram os 25 anos de actividade. Durante este período de tempo eles editaram 17 discos, deram mais de mil concertos em todo o mundo e realizaram diversos trabalhos para o cinema, teatro e televisão, tendo tocado lado a lado com músicos como os The Cheiftains, Liam O'Flynn, Oskorri, Fuxan Os Ventos, Susana Seivane ou Emilio Cao. Os Milladoiro representam não só um género musical, mas também a língua e a forma de ser dos galegos (não é por acaso que eles são considerados a voz da terra, a voz que vem mais além da história). A paixão deste grupo pela música e pela Galiza tem como referência o caminho de Santiago, isto porque os milladoiros eram quem guiava os pasos dos peregrinos até Compostela. Os Milladoiro transformam os ritmos e melodias tradicionais da Galiza em música contemporânea sem fazerem concessões à pop ou fusões com géneros similares. A sua música baseia-se nas influências europeias deixadas na região, herança que tem sido transmitida ao longo de várias gerações anónimas de músicos tradicionais. Para além de evitar o cliché celta, a mítica banda galega reivindica os seus ingredientes provençais, centro-europeus e mesmo árabes. Depois de 25 anos a tirarem o pó a cancioneiros e melodias, os Milladoiro continuam a fazer com que as heranças musicais da Galiza não caiam no esquecimento.

"Domingo Ferreiro", Luar Na Lubre (Espanha) - celtic folk
De novo uma viagem até à Galiza com os embaixadores da folk celta contemporânea. Os Luar Na Lubre, naturais da Corunha, trouxeram-nos o tema “Domingo Ferreiro”, extraído do álbum “Saudade”, editado em 2005. Uma música que tem por base um poema do poeta Raúl González Tuñón, dedicado ao gaiteiro Domingo Ferreiro, o qual também era conhecido por “gaiteiro do Texas”. Com nove trabalhos editados, os Luar na Lubre defendem a cultura, a tradição e a música galegas, sem fecharem portas às influências externas. O grupo é uma presença constante em muitos festivais em Espanha e na Europa, mas a sua aposta centra-se agora na América do Sul, de onde emana a música que integra o seu último álbum. Bieito Romero, Patxi Bermúdez, Xulio Varela e Xan Cerqueiro são os quatro elementos que restam da banda original, criada em 1986 e que dez anos depois saltava para a ribalta internacional com o apadrinhamento de Mike Oldfield no seu disco “Voyager”. Neste seu último trabalho, os Luar na Lubre apresentam a vocalista que os acompanha há ano e meio, a portuguesa Sara Vidal (que já tinha participado no álbum “Paraíso”), em substituição de Rosa Cedrón. Está assim consolidada a intenção do grupo em sublinhar a influência portuguesa para melhor definir a sua identidade galega, neste Portugal além-Minho. Um álbum onde resgatam velhas melodias e harmonias melancólicas. “Saudade” é uma homenagem à Galiza que chegou à América Latina e se fundiu com a cultura daquele continente, sem no entanto deixar de parte as suas raízes celtas. Divididos entre o território celta e a folk festiva, neste trabalho os Luar na Lubre resgatam poemas de García Lorca e de autores galegos da emigração, utilizando-os em temas que falam de nostalgia, do exílio e da saudade.

"Pitbull Terrier", Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra (Bósnia Herzegovina) - gypsy technorock
Emir Kusturica e a The No Smoking Orchestra apresentam-nos um tema extraído do álbum “Unza Unza Time”, lançado em 2000. Uma música onde predominam os instrumentos típicos do folclore cigano, mas onde há também espaço para o rock acompanhado da guitarra, do baixo, da balalaica, da tuba, do saxofone, do acordeão e do violino. Nascido em Sarajevo, hoje capital da Bósnia Herzegovina, Emir Kusturica pertence a uma família bósnia muçulmana, mas de origem eslava ortodoxa. Tal como a maioria dos jugoslavos, o seu pai trocou a fé pelo comunismo. Emir, por seu lado, trocou o comunismo pelo cinema, sendo hoje mundialmente conhecido pelas suas curtas e longas-metragens. Em 1986, ele juntava-se à Zabranjeno Pusenje, uma banda polémica, fundada por Nelle Karajic, que seria censurada pelas autoridades depois de Karajic ter feito piadas sobre Tito, o então ditador jugoslavo. Os arranjos do grupo iam do folk progressivo dos Jethro Tull ao punk dos Sex Pistols, mas com a entrada de novos membros e a mudança para Belgrado, a capital da Sérvia, a banda decidiu valorizar a diversificada música dos Balcãs. Em 1994, durante o conflito no país, junta-se ao grupo o jovem Stribor, filho de Emir Kusturica. É então que a formação se fragmenta em duas: uma que mantém o nome original, e outra que adopta a designação inglesa: The No Smoking Orchestra. Além do servo-croata, a orquestra, que em palco é barulhenta, electrizante e desordeira, também usa o alemão e o inglês nas suas canções. Um género de música que Emir Kusturica classifica de “unza unza”, definição tão impronunciável quanto esclarecedora…

"Listopad", Haydamaky (Ucrânia) - carpathian ska, ukranian dub machine, hutzul punk
Os ucranianos Haydamaky, que nos apresentaram o tema “Listopad”, levam-nos pelos caminhos do ska das montanhas dos Cárpatos, do reggae, do punk hutzul e do dub machine, misturando-os com a folk ucraniana. Após o colapso da União Soviética e a independência da Ucrânia, um grupo de estudantes criava a banda Aktus, que rapidamente conquistou um lugar de destaque no underground musical de Kiev. No início do novo século, em honra à rebelião histórica do século XVIII, mudaram o nome para Haydamaky. Para além dos espectáculos que têm feito em toda a Europa de Leste, em 2004 apoiaram a revolução laranja que mobilizou a Ucrânia, tendo um dos seus temas sido muito rodado nas estações de rádio alternativas. No seu terceiro álbum “Ukraine Calling”, editado este ano e em que se dão a conhecer ao ocidente, os Haydamaky combinam raízes ucranianas com standards europeus. E como podemos confirmar neste tema, a sua música é caracterizada por energia turbulenta e por uma montanha russa de melodias.

"Kamppi", Maria Kalaniemi & Aldargaz (Finlândia) - finnish folk, jazz, rock, pop
A melhor música do mundo vem agora da Filândia com Maria Kalaniemi e os Aldargaz, que nos trazem um tema de dança extraído do álbum “Ahma”, editado em 1999. Esta maestrina do acordeão começou a tocar aos oito anos. Aos 19, depois de gravar um álbum de temas da música tradicional filandesa, junta-se ao programa de música folk da Academia Sibelius, em Helsínquia, onde, para além do acordeão, estuda violino, bandolim, composição e arranjo. No mesmo ano, Maria Kalaniemi apoia a formação do ensemble acústico Niekku, cuja síntese entre a folk e a contemporaneidade os levou para a linha da frente da nova folk filandesa. Já em 1995 funda os Aldargaz, um sexteto de músicos da mesma academia. Adepta da improvisação, Maria Kalaniemi é também membro do colectivo internacional de acordeonistas Accordion Tribe, do grupo de música sueco-filandesa Ramunder e da orquestra de tango UNTO. O seu reportório vai da música clássica às raízes da folk de dança filandesa, passando pelo jazz, rock e pop. Neste álbum, o acordeão de Kalaniemi, instrumento que ela diz ser em simultâneo dinâmico e dinamite, junta-se à guitarra acústica, ao bandolim, ao violino, ao piano, e ainda ao trompete, ao trombone e ao saxofone.

"Amelie On Ice", Lucien N Luciano (Chile) - electronic
Lucien N Luciano fecha o programa com o tema “Amelie On Ice”, uma reinterpretação da banda sonora criada por Yann Tiersen para o filme francês “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain”. Lucien N Luciano, cujo verdadeiro nome é Lucien Nicotet, é DJ desde 1993 e produtor desde 1997, sendo um dos pioneiros da cena musical electrónica na América Latina. Para além das actuações ao vivo em rádios e clubes de Santiago do Chile, Luciano tem também marcado presença noutros países da América do Sul, bem como na Alemanha, em Espanha e na Holanda. O músico, que está representado em cinco editoras, vive desde 2000 em Genebra, na Suiça. Nos seus trabalhos, Lucien N Luciano mistura a identidade chilena e suiça, criando uma mística junção de techno profundo e música electrónica, integrando elementos do sul nos ritmos e padrões coloridos no som. Um estilo experimental e espaçoso, cuja marca assenta no groove e no minimalismo.

Jorge Costa

(os dados sobre estes temas podem ser encontrados nos textos das emissões em que foram emitidos)

Jorge Costa

A décima emissão do MULTIPISTAS - MÚSICAS DO MUNDO, difundida no sábado, 27 de Maio, entre as 17 e as 18 horas, na Rádio Urbana (Castelo Branco - 97.5 FM; Fundão, Covilhã e Guarda - 100.8 FM), vai de novo para o ar na segunda-feira, 29 de Maio, entre as 19 e as 20 horas.

"Lovers Of Light", Afro Celt Sound System (Reino Unido) - afro-celt rock, world pop music
Os futuristas Afro-Celt Sound System trazem-nos um tema extraído do álbum “Release”, lançado em 1999. Neste seu segundo trabalho, a banda mistura a harpa, a kora, a tama, o bodhrán, o djembee, o tin whistle e a guitarra com vozes gaélicas e africanas, colocando-os num contexto pan-europeu. E é precisamente neste disco que os Afro Celt Sound System afirmam pela primeira vez o seu estilo único, enraizado em antigas tradições musicais mas às quais acrescentam sons e batidas futuristas. Exemplo disso, o tema “Lovers Of Light” actualiza o conceito do reel (o mais comum e rápido tipo de melodia celta) sem perder o espírito de pioneiros deste género musical como The Bothy Band e Moving Hearts. Os Afro Celt Sound System, que em 2003 encurtaram o nome para “Afro Celts” até acabarem por readquirir a anterior designação, criaram um mundo musical onde vozes africanas, irlandesas e escocesas se misturam com a estrutura da pop, a força do rock e a euforia da dança, combinando outros géneros modernos como o trip-hop e o techno com a energia e a alegria dos ritmos celtas, africanos, marroquinos e do leste da Europa. É desta forma que os nómadas Afro-Celt Sound System, um dos mais inovadores e ecléticos grupos dos anos 90, dão sentido à expressão world pop music.

"Olla Meu Irmau",

celtic folk
Viagem até à Galiza com os embaixadores da folk celta contemporânea. Os galegos Luar Na Lubre, naturais da Corunha, trazem-nos um tema extraído do seu último álbum “Saudade”, editado em 2005. Este grupo, com nove trabalhos editados, defende a cultura, a tradição e a música galegas, sem deixar de integrar no seu processo criativo as influências externas. Os Luar Na Lubre são uma presença constante em muitos festivais em Espanha e na Europa, mas a sua aposta centra-se agora na América do Sul, de onde emana a música que integra o seu último álbum. Bieito Romero, Patxi Bermúdez, Xulio Varela e Xan Cerqueiro são os quatro elementos que restam da banda original, criada em 1986 e que dez anos depois saltava para a ribalta internacional com o apadrinhamento de Mike Oldfield no seu disco “Voyager”. Neste seu último trabalho, os Luar na Lubre apresentam a vocalista que os acompanha há ano e meio, a portuguesa Sara Vidal (que já tinha participado no álbum “Paraíso”), em substituição de Rosa Cedrón. Está assim consolidada a intenção do grupo em sublinhar a influência portuguesa para melhor definir a sua identidade galega, neste Portugal além-Minho. Um álbum onde resgatam velhas melodias e harmonias melancólicas. “Saudade” é uma homenagem à Galiza que chegou à América Latina e se fundiu com a sua cultura sem deixar de parte as suas raízes celtas. Divididos entre o território celta e a folk festiva, neste trabalho os Luar na Lubre resgatam poemas de García Lorca e de autores galegos da emigração, utilizando-os em temas que falam de nostalgia, do exílio e da saudade.

"Sodade", Cesária Évora (Cabo Verde) e Eleftheria Arvanitaki (Grécia) - morna, coladera
Cesária Évora em dueto com Eleftheria Arvanitaki, num tema extraído do álbum “Cesária Évora – Best Of”, editado em 1999. Esta versão da melodia escrita pelo poeta Teófilo Chantre foi gravada ao vivo em Atenas e adaptada para o grego por Mihalis Ganas. A famosa cantora cabo-verdiana, nascida no Mindelo e apelidada de diva dos pés descalços – visto que se apresenta assim em palco num gesto de solidariedade com os sem abrigo do seu país – mistura a melancólica morna, profunda em sentimentos e descendente do fado cantado em crioulo, com sons acústicos de violão, do cavaquinho, do violino, do acordeão e do clarinete. Uma espécie de blues cabo-verdiano, onde Cesária Évora fala da amarga história de isolamento do país, do comércio de escravos e da emigração – a maior parte dos cabo-verdianos vivem na diáspora. Algo que se combina na perfeição com os versos da grega Eleftheria Arvanitak, os quais falam de amor, da amizade e dos sonhos. Eleftheria (nome que em grego quer dizer liberdade), tenta aproximar-se às suas raízes, enveredando por novas experiências acústicas. À semelhança de muitos jovens que começaram a tocar guitarra, a sua entrada na música deu-se por casualidade quando a juventude grega começou a descobrir os sons tradicionais do seu país, juntamente com a influência ocidental do rock.

"Sabolan", Ba Cissoko (Guiné-Bissau) - kora music
Os Ba Cissoko trazem-nos um tema extraído do álbum do mesmo nome, um trabalho incandescente, produzido pelo músico eclético Malagasy Tao Ravao. Os Ba Cissoko são quatro jovens guineenses de ascenção griot - os conhecidos contadores de histórias que imemorialmente percorrem a savana africana para transmitirem ao povo a sua história. Eles treinaram em Conacri, na Guiné, com o mestre da kora M’bady Kouyate, e vivem actualmente na cidade francesa de Marselha, tendo tocado em inúmeros espectáculos e festivais. Comparada aos sucessos pioneiros de Mory Kanté, a sua música mistura bonitas canções da era de ouro da cultura mandingo com sons únicos urbanos, cáusticos e cheios de groove. A formação instrumental dos Ba Cissoko consiste em duas koras, um tocador de baixo e um percussionista.

"Ya Man", Balkan Beat Box (Israel) - gypsy-punk, contemporary folk
Atrás os Balkan Beat Box e o tema “Ya Man”, extraído do seu álbum de estreia, editado em 2005. Uma mistura enérgica e ousada de melodias folk do norte de África, Israel, Balcãs e Europa de Leste, de letras bizarras e de batidas electrónicas. A banda, que chega a ter 15 músicos – um terço deles oriundos da Europa – é formada pelos israelitas Tamir Muskat e Ori Kaplan, que têm trabalhado com músicos e compositores da Turquia, Israel, Palestina, Marrocos, Bulgária e Espanha. A filosofia dos Balkan Beat Box é a de acabar com as fronteiras políticas na música, fazendo folk de forma contemporânea. E assim eles juntam a música electrónica e os sons tradicionais dos Balcãs, bem como o hip-hop e as sonoridades do norte de África e do Médio Oriente. Tudo começou em Israel, onde assimilaram os standards folk, do klezmer às melodias búlgaras, passando pelos ritmos árabes. No final dos anos 80, Ori e Tamir partem para Nova Iorque, onde descobrem o gypsy-punk e acabam por misturar as suas raízes mediterrânicas com outras culturas.

"Behind De Mi House", Polvorosa (Chile, Alemanha) - elektrolatino, latin groove

Os Polvorosa apresentam-nos o tema “Behind de Mi House”, extraído do álbum “Radical Car Dance”. Para Daniel Puente o idioma nunca foi um obstáculo. E é por isso que desde que chegou à Alemanha que o músico chileno se encarregou de dar destaque às suas raízes latinas: primeiro com o grupo “Niños con Bombas”, o qual se dissolveu em 1999; e mais tarde, de novo em Hamburgo, com os “Polvorosa”, banda que formou juntamente com os alemães Trillian e Norman Jankowski. Este trio multicultural, residente em Barcelona, mistura a pop, o rock alternativo, a música electrónica e o latin groove para dar vida ao que chamam de elektrolatino. Para além dos ritmos baseados na tradição e nas raízes latinas, neste álbum eclético os Polvorosa não esquecem o funk, o hip hop e o pop-rock alternativo.

"Latin Geisha", Illya Kuryaki & The Valderramas (México) - funk, kuryaki music
Os Illya Kuryaki & The Valderramas apresentaram-nos o tema “Latin Geisha”, extraído do álbum “Leche”, gravado em Buenos Aires. Em 1991, quando nenhum grupo latino-americano tinha pensado criar uma música e fazer um rap com ela, eis que surge o duo de rapper's Dante Spinetta e Emmanuel Horvilleur, uma carreira comum que se prolongaria por dez anos. Preocupados em romper tradições, eles começaram por embarcar no rap e no acid jazz, criando letras irónicas e melodias inesquecíveis. Posteriormente inclinar-se-iam também para a soul e para o funk. Em 1987, quando tinham 11 e 12 anos, Dante Spinetta e Emmanuel Horvilleur decidem formar com os seus três irmãos mais pequenos os Pechugo, uma versão roqueira dos Menudo. Mais tarde, afastam-se e formam então os Illya Kuryaki & The Valderramas. O álbum “Leche”, editado em 1999 e que vendeu 30 mil cópias no México, é um disco feito de música negra, calentura funk e baladas kuryaki. São canções transpiradas, com muito sexo e muita carne, num trabalho em que contaram com a colaboração do mítico Bootsie Collins, baixista dos Funkadelic, de Tom Russo e de Tom Tucker. Quando se pensa no rock sul-americano dos anos 90, há nomes que nunca se poderão esquecer. E um deles é o dos Illya Kuryaki & The Valderramas.

"W Boru Kalinka (In The Forest)", Warsaw Village Band (Polónia) - new folk
A melhor música do mundo vem agora da Polónia com os Warsaw Village Band, e o tema “W Boru Kalinka” (Na Floresta), extraído do álbum “Uprooting”, editado em 2004. Um exemplo da herança musical polaca, feita de vozes selvagens e de timbres crus, mas orientadas para a modernidade com o dub, a trance e o reggae. Aqui a experimentação não é uma restauração das componentes rítmicas e melódicas do passado, mas antes um itinerário estilístico a que alguns críticos chamaram de new folk. A Warsaw Village Band foi fundada em 1997 por seis jovens que tocavam violino, suka (violino polaco do século XVI), violoncelo e vários instrumentos de percussão. O seu reportório consiste em melodias de dança folk, baladas e canções rurais, dando-lhes uma estética mais moderna. O resultado é um novo estilo de música chamado de bio-techno ou mesmo hip-hopsasa (o que em polaco quer dizer “vamos dançar”). Algo que também pode ser descrito como hard'cora of obora (hard-core da vacaria). Os Warsaw Village Band foram já galardoados em muitos festivais folk na Polónia, tendo ganho em 2004 o BBC Radio 3 World Music Award na categoria de revelação. Para além da música, eles preocupam-se em rebuscar as raízes polacas condenadas ao esquecimento e que podem enriquecer a cultura contemporânea. A sua paixão é viajar até pequenas aldeias e visitar velhos músicos para os ouvirem falar sobre as suas tradições e costumes, principal inspiração para o seu trabalho, que pretende apresentar-se aos jovens como uma alternativa à cultura de massas.

"Køb Bananer", Kim Larsen (Dinamarca) - danish rock, folk
Kim Larsen dá-nos a conhecer o divertido “Køb Bananer”, um tema extraído do álbum “Kim I Circus”, gravado ao vivo em 1985. Este músico dinamarquês nasceu em 1945 em Copenhaga, sendo um dos mais populares do seu país. Inspirado pelos Beatles e pelo rock’n’roll, Kim Larsen começou a compor e a tocar guitarra. Em 1969 conhece Franz Beckerlee e Willi Jønsson, com quem funda os Gasolin, agrupamento a que mais tarde se juntaria o percussionista Søren Berlev, tornando-se numa das mais conhecidas bandas de rock da Dinamarca, a qual desapareceria no final dos anos 70. Em 1986 o músico funda a banda Kim Larsen & Bellami, com a qual lança quatro trabalhos até esta desaparecer em 1992. Em 1995 muda-se para Odense, a terceira maior cidade dinamarquesa, alcançando novos sucessos com a sua nova banda Kim Larsen & Kjukken e o produtor sueco Max Lorentz. Nos anos 70, fruto das influências anglo-saxónicas, os géneros populares da música dinamarquesa começam a divergir. Muitos músicos de rock adoptam então composições que reflectem de forma mais realista os ideais e a realidade social da Dinamarca. Foi esse o caso dos Gasolin, que deram à música dinamarquesa um ritmo e lhe devolveram a sua língua nativa. Desde os anos 80 que Kim Larsen lançou vários álbuns a solo e que tiveram grande sucesso. Ao todo, estes representam cerca de 3 milhões de discos. Um feito extraordinário, já que a actual população dinamarquesa ronda os 5,4 milhões de habitantes.

"Herr Rossi Sucht Das Glück (Beach Barbecue Mix)", Die Moulinettes (Alemanha) - pop
Despedimo-nos com os Moulinettes e a versão beach barbecue do tema “Herr Rossi Sucht Das Glück”, um dos singles mais conhecidos desta formação alemã. Claudia Kaiser, Barbara Streidl e Kiki Lorrig-Wossagk são três raparigas de Munique, cujo estilo sonoro sofisticado aconchega e acalma. O nome desta música, para a qual criaram três versões diferentes, pertence a um desenho animado famoso. Depois do seu álbum de estreia "20 Blumen" e do single "Herr Rossi Sucht Das Glück", que curiosamente foi um grande êxito no Japão, as três senhoras juntaram-se a Martin Lickleder. Nas letras, para além do alemão, atrevem-se ainda pelos caminhos linguísticos do inglês e do italiano. A sua música, divertida, dançável e repleta de vozes em coro, bebe influências da pop dos anos 60. Uma boa banda sonora para as tardes e noites de verão...

Jorge Costa